《艺术概论》全国成人高考专升本考试资料（四）

　

　　同步练习

　　一、选择题

　　1.法国浪漫主义绘画的代表作品《梅杜萨之筏》是()的作品。

　　A.籍里柯

　　B.库尔贝

　　C.雷诺阿

　　D.米勒

　　答案：A

　　2.17、18世纪，欧洲绘画进一步摆脱了宗教的束缚，肖像画，风景画，风俗画，静物画，动物画都获得了极大的发展，涌现出一批杰出的画家，其中( )的《战舰归航》是当时的代表作之一。

　　A.鲁本斯

　　B.伦勃朗

　　C.透纳

　　D.夏尔丹

　　答案：C

　　3.莫奈的作品《日出.印象》《草垛》等是法国()的代表作品。

　　A.后印象主义

　　B.新占典主义

　　C.浪漫主义

　　D.印象主义

　　答案：D

　　4.法国后印象主义的代表作品《塔希提的妇女》的作者是()。

　　A.塞尚

　　B.高更

　　C.德拉克洛瓦

　　D.米勒

　　答案：B

　　5.俄国“巡回画派"中最著名的作品有《近卫军临刑的早晨》《女贵族莫洛佐娃》，其作者是()

　　A.列宾

　　B.苏里柯夫

　　C.乔托

　　D.委拉斯贵支

　　答案：B

　　6.《向日葵》是后期印象派画家( )的静物油画

　　A.高更

　　B.凡.高

　　C.米勒

　　D.莫奈

　　答案：B

　　7.《大卫像》是意大利文艺复兴时期( )的重要作品。

　　A.达·芬奇

　　B.拉斐尔

　　C.罗丹

　　D.米开朗琪罗

　　答案：D

　　8.我国著名的青铜器雕塑作品<人面鼎>产生于()

　　A.西汉

　　B.东汉

　　C.战国

　　D.殷商

　　答案：D

　　9.我国的彩塑到盛唐达到了顶峰，此时的代表作品是()

　　A.敦煌塑像

　　B.麦积山石窟像

　　C.山西晋祠像

　　D.云冈石窟像

　　答案：A

　　10.书法艺术产生于()

　　A.古罗马

　　B.中国

　　C.朝鲜

　　D.日本

　　答案：B

　　11.苏，黄，米，蔡“四大家”是我国()代的著名书法家。

　　A.宋

　　B.唐

　　C.晋

　　D.汉

　　答案：A

　　12.《祭侄文稿》的作者是( )

　　A.张旭

　　B.柳公权

　　C.颜真卿

　　D.王羲之

　　答案：C

　　二、简答题

　　1.简述五种主要的艺术分类方法。

　　答案：

　　(1)以艺术作品的存在方式为依据，可以将艺术分为时间艺术，空间艺术和时空艺术;

　　(2)以对作品的感知方式为依据，可以将艺术分为听觉艺术，视觉艺术和视听艺术;

　　(3)以艺术作品对客观世界的反映方式为依据，可以将艺术分为再现艺术，表现艺术和再现表现艺术。

　　(4)以艺术作品的物化形式为依据，可以将艺术分为动态艺术和静态艺术;

　　(5)以艺术形态的物质存在方式与审美意识物态化的内容特征作为根本的依据，可将艺术分为五大类别：即造型艺术，实用艺术，表情艺术，语言艺术(文学)综合艺术。

　　2.简述绘画艺术的概念及其种类。

　　答案：

　　(1)绘画是一门使用一定的物质材料，运用线条，色彩和块面等元索，通过构图，造型和调色等手段，在二度空间(平面)里创造出静态的视觉形象或情境的艺术。(2)种类：根据使用材料的不同，可分为中国画，油画，版画，水彩画，水粉画等;根据表现对象不同，可分为肖像画，风俗画，风景画，静物画，历史画等;根据作品形式不同，可分为壁画，年画，连环画，宣传画，漫画等。

　　3.简述雕塑艺术的概念及其种类。

　　答案：

　　(1)雕塑是一门直接利用物质材料，运用雕刻或塑造的方法，在三度空间(立体)中创造出具有实体形象艺术品的艺术。

　　(2)种类：从表现手法和形式来分，可分为圆雕和浮雕;从制作工艺来分，可分为各种材料的雕和塑;从体裁来分，可分为纪念性雕塑，城市园林雕塑，宗教雕塑，陈列性雕塑等：从样式来分，可分为头像，胸像，半身像，全身像，群像等。

　　4.简述建筑艺术的概念及其种类。

　　答案：

　　(1)建筑艺术是一种实用与审美相结合，以形体，线条，色彩质感，装饰，空间组合等为语言，建构成实体形象的造型与空间艺术。

　　(2)建筑可分为民用建筑，公共建筑，园林建筑，宗教建筑，纪念性建筑，宫廷建筑，陵墓建筑等。

　　5.简述园林艺术的概念及其种类。

　　答案：

　　(1)园林艺术利用多种技术手段和艺术手法，将山水，花木，建筑等要素组合成为统一的景观，在广义上是建筑艺术的一种类型。

　　(2)从世界范围看，主要分为欧洲园林，阿拉伯园林和东方园林三种。

　　三、论述题

　　1.举例说明表情艺术的种类。

　　答案：

　　(1)所谓表情艺术，是指通过一定的物质媒介(音响，人体)来直接表现人的情感，间接反映社会生活的这一类艺术的总称，它主要是指音乐和舞蹈这两门表现性和表演性艺术;

　　(2)音乐艺术是以人声或乐器声音为材料，通过有组织的乐音在一定时间长度内营造审美情境的表现性艺术，音乐艺术以旋律，节奏，和声，配器，复调等为基本手段，以抒发人的审美情操为目标，具有情感表现力和情绪感染力;

　　(3)舞蹈是以人体动作为主要表现手段，运用造型，表情，节奏，空间运动等要素，创造形象和表现情感的艺术样式。

　　2.举例说明语言艺术(文学)的种类。

　　答案：

　　(1)语言艺术即文学艺术，包括诗歌，散文，小说，戏剧文学和影视文学等。文学是以语言作为表达方式的一种特殊艺术形式。 文学语言是指加工提炼了的人民口头语言和书面文字语言。创作主体通过对于语言的审美把握来塑造艺术形象，表现思想感情。

　　(2)文学艺术的基本特征包括：间接性;广阔性;情感性。

　　3.举例说明综合艺术的种类。

　　答案：

　　(1)综合艺术的种类主要包括戏剧艺术，戏曲艺术，电影艺术，电视艺术。

　　(2)戏剧艺术是指以舞台演出为表现形式，由演员扮演角色，为观众现场展现故事情节的艺术样式。戏剧以演员的动作和声音为基本表现手段，以舞台美术，音响，服装，化妆，道具等多种技术手段为重要构成要素。

　　(3)戏曲是中国传统的戏剧形式，它既具有戏剧的一般特点，又具有独特的表现手段和审美特征。唱、念、做、打是戏曲主要的表现手段。程式化、虚拟性是戏曲的主要审美特征。

　　(4)电影艺术是一门将艺术与科学结合而成的综合艺术，它以画面为基本元素，并与声音和色彩共同构成电影基本语言和媒介，在银幕上创造直观.感性的艺术形象和意境。画面，声音和蒙太奇是电影的主要艺术语言和表现方法。

　　(5)电视艺术属于大众传播媒介，它既有传播新闻信息的功能，同时也有艺术的功能和娱乐的功能。电视艺术与电影艺术在审美特征上有许多相似之处，既是综合艺术，又是现代科技的产物，同时又具有独特的审美特征。电视艺术主要是指运用电视手段创作和传播的各种文艺作品，其中主要包括电视剧电视文艺专题片，电视综艺节目，音乐电视等。

　　第四章 艺术创造

　　第一节

　　一、艺术创造主体

　　1、艺术创造主体——艺术家

　　艺术创造主体即艺术家,是人类审美活动的体验者和实践者,也是审美精神产品的创造者和生产者。他们不但掌握专门的艺术技能与技巧,具有良好的艺术修养和突出的审美能力,而且具备独立的人格和丰富深刻的情感。

　　艺术世界是由艺术家,艺术作品和观众三者共同构成的一个整体,没有艺术家,艺术作品就无从产生,也就没有观众的艺术欣赏活动。因此,了解艺术家及艺术家的艺术创造活动是认识艺术世界的重要方面。

　　艺术家首先是审美活动的体验者和实践者,艺术来源于现实生活,任何艺术创造活动都是以对现实生活的审美体验为基础的,没有审美体验和实践,就不可能成为艺术家。然而,只有审美体验和实践,还不能成为艺术家,艺术家必须是审美精神产品的创作者和生产者。

　　艺术家还必须具备艺术创造的天赋,才能,掌握专门的艺术技能和技巧,根据他们的审美体验和实践创造出优秀的艺术作品。

　　艺术家通常是具有良好的修养和突出的审美能力的人,是具有独立人格和丰富感情的人,他们勤于观察和思考,深刻了解社会,富有创造力。任何艺术作品都足艺术家精神世界的呈现,艺术作品的感染力来自作品中渗透的艺术家的丰富情感和崇高审美理想,来自作品中体现的艺术家对社会人生的深刻认识和思考。

　　如屈原之所以能够写出千古传颂的著名诗篇(离骚),是因为屈原虽然被流放,身处逆境,但内心依然充满真挚热烈的爱国主义情感,充满为祖国和理想献身的强烈愿望。

　　诺贝尔文学奖获得者,著名美国作家海明威能够成为世人敬仰的艺术家,也是由于他具有勇敢,正直,刚强不屈同时又富有爱心的突出个性与品格,他是一个用生命写作的人,他基至把艺木创造当作他生命的全部意义。当他晚年因病丧失写作能力,不能再进行艺术创造时,他毅然用枪结束了自己的生命。所以说,艺术家的生命在于创作,没有了艺术创造能力,艺术家的艺术生命也就随之完结了。

　　人类生产活动分为物质生产和精神生产,艺术创造是审美的精神生产,艺术家正是从事审美精神生产的人。由于艺术生产具有复杂性和多样性的特点,作为艺术生产创造者的艺术家内部有多种多样的分工,例如,在艺术生产中存在着个体性艺术生产和集体性艺术生产的区分,因而,艺术家既包括以个体劳动方式进行创作的文学作家,雕塑家,画家等,也包括以集体劳动方式进行创作的戏剧艺术和影视艺术的编剧,导演,演员,美工等。

　　在戏剧,电影,电视,舞剧,交响乐等这样一些集体创作的艺术形式中,整个作品的艺术形象是由许多艺术家们组成的创作集体来共同完成的。比如,每一部影片的拍摄,都需要经过编,导,演,摄,美,录,音,道,服等各个部门艺术工作者的共同努力,才能摄制成功。任何一部优秀的影片,更是以上各部门艺术家通力合作的结果。

　　又比如,由于艺术生产的方式不同,有一次性的艺术生产如绘画,雕塑,文学等,也有多次性的艺术生产如音乐,舞蹈,曲艺等表演艺术。 所谓一次性艺术生产,是指艺术家通过创造性劳动能够一次全部完成创作,拿出自己的艺术作品来。所谓多次性的艺术生产,是指需要通过演员在舞台上的表演来多次完成的艺术形式。一般来讲,作为多次性艺术生产的表演艺术,除了需要进行一度创作(或称作初度创作)的艺术家如作曲,作词,编舞,编剧之外,还需要进行二度创作(或称作再度创作)的艺术家,如歌唱演员,器乐演员,指挥家,舞蹈演员等,这些进行二度创作或再度创作的,同样是艺术生产的创造者,同样属于艺术家的范围。

　　对于同一个艺术作品,不同的表演艺术家往往有各自不同的理解和感受,从而有不同的表演方式和表演效果。同样一出京剧(霸王别姬),著名旦角表演艺术家梅兰芳和尚小云的演出就各不相同。同样一部由柴可夫斯基创作的<悲怆交响曲>,由卡拉扬指挥的乐队和由伯恩斯坦指挥的乐队可以演奏出迥然不同的两种风格。

　　2、艺术家的修养和能力

　　1)艺术家的修养

　　①先进的世界观和审美观。

　　世界观是人对整个世界,包括自然现象和社会现象等的基本观点的总和,它包含社会观,伦理观,审美观,人生观,自然观等。

　　人生观就是对人生的基本看法,如人生的目的和意义是什么。审美观是指人在审美活动中所形成的对美,审美和美的创造及其发展所持的基本观点(包括审美标准和审美理想),是世界观的重要组成部分之一。先进的世界观决定着正确的创作目的与创作动机,影响着作品的格调与品位,影响着艺术家的思想水平和艺术创造能力的提高与发展。正确的人生观不仅使艺术家具有忘我的创作激情,而且能够使艺术家与自然,社会和其他社会成员建立和谐的关系,并在作品中融进艺术家对人生的透彻,深刻的理解,具有更加感人的艺术意境。

　　同时,世界观和人生观也是树立科学的审美观的基础,促使艺术家确立进步的审美理想。如马克思主义世界观认为,劳动创造了人本身,劳动创造也是社会进步和发展的根源之一,人生的根本意义在于不断地劳动创造,追求自由,平等和具有高度物质文明和精神文明的社会理想。这是科学,进步的世界观和人生观,历史上许多艺术家自觉或不自觉地在这一世界观和人生观的影响下,创作了大量感人的,歌颂劳动和劳动者以及为人类进步事业奋斗的人和事的作品。

　　如罗中立的油画作品(父亲)，透过作品中人物满脸的沧桑和慈祥的目光,我们能够感受到艺术家对父亲的深沉的敬爱,正是这种浓烈而深沉的情感使得欣赏者站在这幅作品前时,会产生强烈的心灵震撼。 钱绍武的雕塑作品(李大钊),以大胆的夸张手法塑造了李大钊无比宽大的双肩和挺阔的胸膛,突出显示了李大钊“铁肩担道义”,为正义事业英勇献身的高大形象,体现了艺术家对李大钊的敬仰之情,也反映了艺术家的世界观和人生观。

　　凡.高的油画作品<农夫的鞋>,展现出来的是一只湿糊糊,沉甸甸,沾满厚厚的泥土,变了形的鞋,它使人联想到农夫在田野的泥土中辛勤,艰辛,长期单调的劳作,艺术家对农夫的丰富情感蕴含其中,使人感受到压抑,痛苦,甚至产生呐喊的愿望,在对劳动者的擎爱之情后面,是对提高劳动技术,减少农夫辛苦的呼唤。那些视劳动和劳动者为低贱,好逸恶劳,将个人富贵安逸作为人生理想的人是不可能创造出以上作品的。

　　如果艺术家的世界观是落后的,就绝对创造不出为人民大众代言的具有强烈爱国主义和进步思想倾向的不朽之作。所以,艺术家必须树立进步的世界观和人生观,确立进步的审美理想。

　　②广博的知识。

　　浅薄无知的人是成不了艺术家的,真正的艺术品富有深刻的文化内涵,包括丰富的人类情感,深刻的思想认识独到的社会发现等。要成为艺术家,首先要在生活和实践中不断地学习,积累各方面的知识,不断丰富自己的知识宝库。有了深厚的知识底蕴,才能在创作中自然显现丰富的内涵,就像在蕴含丰富优质水资源的土壤上,往往呈现树木繁茂,欣欣向荣的景象,就是没有种植植物,也会在平常的日子里给人不一样的感觉,阳光下地面上会自然呈现水汽折射的光波。

　　知识广博的艺术家在艺术作品和气质方面也会有自然的表现。艺术家的知识修养是多方面的,包括自然科学与社会科学方面的基本知识、所从事的艺术专业知识与所从事的艺术专业密切相关的学科知识等。如达·芬奇之所以在绘画艺术中取得这样巨大的成就,除了优越的艺术天赋,刻苦的技巧训练外,同他渊博的科学文化知识也有很大的关系。他到佛罗伦萨后,除了学习绘画的技能技巧外,还向数学家兼天文学家托斯卡奈里等人学习数学,透视学,光学,解剖学等多方面的科学文化知识,为他后来的艺术创造奠定了深厚广博的文化基础。

　　现代派舞蹈的主要创始人之一,美国著名舞蹈家邓肯,青年时代到巴黎演出时,就流连于卢浮宫和巴黎图书馆,潜心研究古希腊的雕塑,绘画等艺术珍品,并深受罗丹的雕刻,莫内·塞利的戏剧表演,卡里亚的绘画的影响,她甚至一度专门到希腊山村中居住,倾听希腊山民演唱古代的民歌。在这种古典文化和现代文化的熏陶下,邓肯形成了自己的审美理想,加上尼采哲学,惠特曼诗歌和贝多芬音乐的影响,使她追求身,心灵三者的有机结合,强调以舞蹈来展示人的生命力,被誉为“现代舞蹈之母”。

　　我国著名歌唱家李双江不仅在中央音乐学院系统学习了音乐知识和音乐理论,毕业后还不断到新疆等地向民间和少数民族歌手学习,吸收他们的演唱方法,并根据不同的演唱曲目,深入到牧民,船工中去体验生活,通过观察和体验他们的情感,习俗,个性特征等,反复体会歌曲的内涵,领会歌曲的形象,最终准确把握歌词的意义,创造出热情洋溢的,充满生活气息的演唱风格。他的这一过程既是不断创造的过程,也是不断学之,积累知识的过程。

　　此外,<三国演义><水浒传>等作品中包含有十分丰富的军事知识,以致很多军事家把它们视为必读的参考书籍;<清明上河图>中包含着众多的社会信息和风俗人情,以至成为研究北宋人文历史的资料。艺术家本人如果不熟悉相关方面的知识,是不能创作出这些作品来的。

　　③深邃的思想。

　　毕加索说:“难道作为画家仅仅只有一双眼睛?作为音乐家只有一对耳朵?作为诗人就只有一具心琴?相反,艺术家同时也应该是一个政治家,他会经常感觉到与他有关的悲欢事件.....绘画绝不是为了装饰住宅,它是抵抗和打击故人的战斗武器。”

　　艺术生产作为一种特殊的精神生产,除了需要艺术家具有广博的知识,一定的艺术才能和技巧外,还需要艺术家具有深刻的思想修养。鲁迅不是哲学家,但他的杂文和小说成了不朽的艺术价值之外,还具有深邃的思想性,在中国现代革命史和思想史上都占有很重要的地位。巴尔扎克不是历史学家和经济学家,但他的(人间喜剧)系列小说中包含着十分丰富的这此方面的内容,因而,恩格斯赞扬说自己从中学到的知识比从当时职业的历史学家和经济学家的著作中所能学到的还多。

　　列夫· 托尔斯泰不是社会学家,但他的作品深刻表现了俄国干百万农民在资产阶级革命快要到来时候的思想和情绪,因此被列宁称作俄国革命的一面镜子。 徐悲鸿创作的<田横五百士><九方皋>等作品,都因其深刻的思想性而具有深远的社会意义和高度的艺术价值。

　　我们说,优秀的艺术作品都是有意境的。 意境是什么?意境就是使人超越具体有限的物象产生的对人生,历史和宇宙的哲理性感悟,是艺术作品中蕴含的形而上的东西,即思想,哲理。艺术家要创作具有意境的优秀作品,就必须具有深邃的思想。

　　④丰富的情感和独立的人格。

　　要成为艺术家,就首先需要培养对生活和生命的热爱情感,培养健康的生活情趣,对真善美的热爱以及对假恶丑的憎恨;还要培养自尊,自爱.自强,有理想,有道德的健康人格。

　　一个缺乏生活热情,情感淡漠,麻木不仁,对身边的任何事都不关心的人,是不会创作出艺术作品的;一个对任何事都没有立场,人云亦云,毫无独立人格的人是不会有创造性的,也不会成为艺术家。 艺术创造是一种精神生产活动,从事这种精神生产的主体需要具备良好的精神境界,包括丰富的情感和思想,对周围世界敏锐的感受,健康的生活情趣,高尚的品格等。

　　同时,这种精神生产是一种独立性很强的个体活动,即使是在戏剧演出等集体创作活动中,创作的个体性也是十分明显的。而且,从本质上说,艺术这种精神活动是相对独立于物质基础和其他意识形态的,它要求艺术家时时刻刻忠实于个人的感情和认识,在艺术创造中传达个人的真情实感,所以艺术家要有率真,诚实,正直,敢爱敢恨的独立人格。

　　2)艺术家审美创造能力

　　①敏锐的感知能力。

　　杜勃罗留波夫曾经说过:“在思想家与艺术家之间,还有这种区别,后者的感受力要远比前者生动得多,强烈得多,他们两者都是根据他们的意识已经接触到的事实,来提炼自己的世界观的。可是一个感受力比较敏锐的人,一个有“艺术家气质'的人,当他在周围的现实世界中,看到了某一事物的最初事实时,他就会发生强烈的感动。"

　　艺术家必须具备从艺术的视角敏锐地感知自然与社会生活的能力,敏锐地观察和捕捉艺术创造的素材的能力。感知是创作的前提,艺术家总是能在常人所不在意的普通的事物中发现生活与自然的内涵,寻找与生命的契合点,做出对生活,自然和生命的独特思考。这是艺术家特有的职业敏感。

　　艺术家的感知是以自己丰富的审美经验和艺术创造经验,特别是自己深挚的艺术思想、情感为基础的,被观察的客观事物因艺术家主观审美目的,态度,心境和情绪的不同会在艺术家心中产生不同的感知效果。正因为这样,“柯罗在树顶上,草地上和水面上看见的是善良,米勒在这些地方看到的却是痛苦和命运的安排"。

　　②丰富的想象力。

　　艺术想象是指艺术家在艺术创造过程中,在头脑中对从生活中得来的有关的诸多表象进行分解,重组,连接等加工,把实际上并不在一起的事物从观念上组合在一起,使之成为新的理想化了的艺术意象。

　　黑格尔认为:"如果谈到本领,最杰出的艺术本领就是想象。”艺术想象是人的一种自由创造活动。艺术想象的特点就在于它的创造性。艺术想象是艺术家进行艺术思维的主要形式,艺术家只有通过创造性的艺术想象,才能进行生动的艺术创造,使生活表象转化为艺术形象,才能塑造典型的艺术形象,创作出艺术意境。创作性想象能力的丰富与贫乏是一个艺术家艺术才华高低的标志,可以说,没有艺术想象就没有艺术创造。

　　艺术家只有将自己强烈的情感和丰富的想象力融入艺术作品中,才能创作出有血有肉,生动感人的艺术形象。明代戏曲大家汤显祖在创作<(牡丹亭)时,写到杜丽娘因情生梦,因梦而病,相思病危之际,禁不住自己泪如泉涌,独自躲进一间堆满柴的屋子里哭泣,这种首先自己感受到的艺术想象是许多成功艺术家共同经历过的。法国小说家福楼拜在写到包法利夫人(长篇小说(包法利夫人)的主人翁)自杀的时候,作家自己仿佛也尝到了砒霜的滋味。

　　福楼拜在谈到自己的创作体会时说:“写书时把自己完全忘去,创造什么人物就过什么人物的生活,真是一件快事。比如我今天同时是丈夫和妻子,是情人和他的姘头,我骑马在一个树林里游行,当着秋天的薄暮,满林都是黄叶，我觉得自己就是马,就是风,就是他俩的甜蜜的情话,就是使他们的添满情波的眼睛眯着的太阳。”由此可见,艺术家的想象力是多么丰富。

　　③精湛的艺术技巧。

　　艺术家必须具有专门的艺术技能,熟悉并掌握某一具体艺术种类的艺术语言和专业技巧。 由于艺术生产是一种特殊的精神生产,它与物质生产也有某些相似之处,这就是通过劳动创造出“产品”来。 对于艺术生产来讲,就是要创造出艺术作品或艺术形象,这就要求艺术家应当具有艺术表现的技巧和艺术传达的能力。

　　清代著名画家郑板桥曾经把画竹的过程分为“眼中之竹”“胸中之竹”“手中之竹"。这就是讲,艺术家应当有敏锐的观察力和感受力,这样在观察生活时才会有异于常人普通感受的“眼中之竹"。而所谓“胸中之竹”,已经是现实中竹的客观形象和艺术家思想感情主观因素相融合而形成的意象。 至于“手中之竹”,则是通过画家的创造性劳动,运用绘画艺术的技巧和独特的绘画语言,把艺术家头脑中的意象“物化”为艺术作品,创造出可供其他人欣赏的艺术形象。

　　所以,画家要把“眼中之竹”和“胸中之竹”变为“手中之竹”,就必须掌握熟练的艺术技能和技巧,掌握和运用造型艺术线条,色彩,形体等艺术语言。不仅画家如此,各个艺术种类的艺术家同样也都需要专门的艺术技能和技巧,熟悉掌握并熟练运用这门艺术独特的艺术语言。

　　音乐家必须掌握和运用旋律,节奏,和声,复调等表现手段;电影艺术家必须掌握和运用镜头,画面,音响色彩等电影语言;雕塑家必须掌握刻、镂、凿、琢、塑、铸等各种技艺和手法,因为雕塑中不同的艺术形式往往需要不同的艺术加工方式，没有精湛的艺术技巧和表现才能,是不能最后完成艺术形象的创造的。

　　第二节

　　二、艺术创造过程

　　艺术创造是一个复杂的过程,这一过程可以大致分为艺术体验活动,艺术构思活动和艺术表现活动三个阶段,这三个阶段表现为连续的和不可分割的整体。 这三个阶段也可以描述为一个从“审美表象”到“审美意象”到“艺术形象”的创造过程,也就是郑板桥所说的从“眼中之竹"到“胸中之竹"再到“手中之竹”的过程。

　　1、艺术体验

　　艺术体验,是艺术创造的准备阶段。它是创造主体在审美经验的基础上,充分调动情感,想象,联想等心理要素,对特定的审美对象进行审视,体味和理解的过程。

　　艺术体验是艺术创造的起始阶段,也是艺术创造的准备阶段,这种准备或酝酿的过程可能是自觉的,也可能是不自觉的,可能时间较短,也可能有相当长的时间。总体上讲,艺术体验可以区分为平时的审美体验积累和为具体艺术创造目的而对具体的审美对象进行集中审美体验两种。优秀的艺术家都十分重视在平时的生活实践中积累对生活的审美体验,在体验中保持自己对生活印象的鲜活生动的原生形态。

　　俄国著名作家冈察洛夫曾经说过:“我只能写我体验过的东西,我思考过和感觉过的东西,我爱过的东西,我清楚地看见过和知道的东西,总而言之,我写我自己的生活和与之常在一起的东西。"无论是哪一艺术门类的艺术家,都需要在日常生活中积累生活素材和审美体验,为艺术创造积淀丰厚的审美经验。除了平时积累,还需要艺术家在艺术创造的开始阶段进一步有目标地丰富艺术体验,在长期的审美经验基础上,充分调动情感,想象,联想等心理要素,对特定的审美对象进行审视,体味和理解。

　　如徐悲鸿画奔马,首先因为他平时具有对中华民族的热爱之情,对中华民族从危难之中腾飞崛起的热望,对中华民族解放事业的深切体验,同时,也有对奔马的审美体验，才可能选择以奔马形象表现中华民族为自由解放而勇往直前的情怀。 但是,要画好奔马的形象,充分体现艺术家的创作意图,艺术家还必须对“马”这个特定的审美对象进行具体的观察,研究,体味马的骨骼结构,动态特征,为具体艺术形象的构思做好准备。

　　艺术体验通常包含三个部分：

　　①材料的储备和审美经验的积累。

　　材料的储备是指生活素材的积累。 艺术创造的基础是对现实生活的认识和经历,艺术活动不仅起源于社会实践,而且艺术活动的本源也是社会实践。没有一定的生活阅历和生活素材的积累,是不可能有成功的艺术创造活动的。

　　如：雨果早在16岁时,就曾在巴黎法院门前的广场上亲眼目睹了一个年轻女仆因所谓盗窃罪遭到酷刑时的惨状,这使他深为震惊,久久不能忘却。这种深切的感受和体验,在他十多年后创作的长篇小说(巴黎圣母院)和40年后创作的(悲惨世界)中,都有所反映和体现。 再如19世纪著名的俄罗斯“巡回展览画派”代表人物之一苏里柯夫在谈到自己的创作体会时说,许多年前,"我偶然看见雪地上有一只乌鸦。

　　乌鸦站在雪地上,一只翅膀向下垂着,一个黑点停在雪地上。在好些年里,我不能忘记这个黑点。后来,我画了(女贵族莫洛佐娃)",在这幅画中,因反对沙皇,同情人民而遭受监禁和流放的女贵族莫洛佐娃,正是穿了一件黑色的衣服被游街示众,在茫茫人海中她的黑衣服格外醒目。显然,画家多年前的深切体验,成为创作这幅著名油画的艺术构思和表现的重要基础。

　　审美经验是指在生活中对事物的审美感受,审美体验的积累。伴随着社会实践活动与人生阅历的积累,艺术家不仅认识,熟悉许多生活现象和事物,积累了许多给他们留下了深刻印象的生活画面和事物形象,还积累了对不同事物的审美感受经验,这种审美感受包括通过眼,耳,口,鼻，皮肤等多种感官获得的感受和各种心理感受,如刘勰所讲的“等山则情满于山,观海则意溢于海”;杜甫所说的"感时花溅泪,恨别鸟惊心"等都是艺术家包含情感的切身体验,是艺术家审美经验的生动表述。审美经验的积累也是艺术体验的重要组成部分,是艺术创造的基础。

　　材料的储备和审美经验的积累包括自己的亲身经历,耳闻目睹的生活故事和场景,还包括间接的生活体验,即通过史书,艺术作品等间接了解的古今中外的社会生活素材,任何一个艺术家对社会生活不可能事事都自己直接经历一番,即使是社会阅历非常丰富的人,何况一个人的一生是短暂的,而人类的发展史却是漫长的,其中人类文明史也有几千年,这就需要艺术家从间接的艺术创造及艺术作品中吸取经验和创作素材,扩大自己的视野,拓展自己的艺术思路。

　　可以说,没有一位有成就的艺术家是与前人的间接经验完全分割而不相通的,恰好相反,创作上越有成就,对前人和他人(包括古今中外)的间接经验的掌握就一定越是丰厚,并且化成了自已的营养,血液和独创的见解,就像将直接经验化成了自己的血液和独到的见解一样。 但是,直接经验是深刻理解和把握间接经验的基础,有了一定的直接经验作为基础,就容易深刻而独到地理解和把握间接经验,两者相辅相成,相得益彰地丰富着艺术家头脑中的积累,提高着作者的艺术理解力和艺术想象力。

　　鲁迅从学医转到文学创作,靠的是青少年时代饱读中国古典经史和精读过许多小说;不少诺贝尔文学奖获得者几乎“读尽”了世界各国的重要名作,真是“读书破万卷,下笔如有神"。间接经验的极端丰厚,可以使作者信手拈来,选用自如。此外,前人的艺术作品还潜移默化地在给作者起着提高创作构思想象力和表现力的超常有效的榜样的作用。 可见,不断丰富自己的直接经验和间接经验是创作主体不可忽视的重要任务,它决定着艺术构思和艺术想象有没有充分的材料和有没有感人肺腑的有血有肉的内容。

　　②审美发现和审美领悟的发生

　　艺术的体验和审美发现是指为了一定的创作目的而进行的集中的艺术体验,以及在审美体验中产生审美发现的过程。在这一过程中,艺术家需要摈除杂念,全身心地投入到审美体验中。

　　如元代大画家赵子昂为了画马,不仅运用自己的视觉和听觉观察,感知马的特征,还在观察马时,解开衣服,趴在地上,学着马的跑跳腾跃等各种动作,运用自己的触觉,运动等来进行切身体验,使自己的感受更加真切。

　　再如宋代者名的山水画大师范宽,为了创作山水画,只身一人到人烟稀少的太华山和终南山居住,长年累月地观察山中的自然景色,体验山水的四时变化、晨夕不同,在清贫艰苦的野外生活中神与物游。这种全身心的艺术体验不仅使范宽熟悉了山水风光,而且加深了他对社会,人生的认识,使他能够在以后的山水画创作中融进更深的意境。

　　此外,通过对山水体验的独特审美发现,促成了他对传统笔墨技法的突破,形成了独特的山水画创作风格,对后世产生了极大影啊, 范宽的画迹现仅存四幅,均为成就极高的稀世珍宝,其中最能代表其风格特色的(溪山行旅图),画面上一座大山迎面矗立,山崖陡峭浑厚,山间飞瀑如练,山下薄雾空蒙,气势逼人,使观者如对真山,山石质感清晰可见,山间小路上隐约可见的骡马车辆,更使人感受到深山行旅的艰难。如果没有画家在秦陇山区露宿山林村野之间,饱尝行旅之苦的艺术体验和审美发现,这幅画是不会画得如此气韵生动,令观者犹如身临其境的。

　　③创造欲望的萌动及动机的生成

　　深切的生活体验和丰富的感性积累,不仅为艺术创造莫定了雄厚坚实的基础,而且常常成为艺术家从事艺术创造时内在的心理动力或诱因,成为一种重要的创造动机。艺术家在观察生活,思考生活,体验生活的过程中,必然有大量的所见,所闻,所知,所感,它们在艺术家脑海里积累得越来越多,一旦丰富到呼之欲出的程度,艺术家的创作激情就会喷涌而出一发而不可收。

　　郑板桥画竹,就是由于他平生酷爱竹子,经常注意观察和体验,尤其是在秋天清晨早早起床到园中观看竹子,只见烟光,日影,露气都浮动于竹子的疏枝密叶之间,这种独特的审美体验不禁使画家怦然心动,“胸中勃勃,遂有画意”,“因而磨墨展纸”,使“眼中之竹”和“胸中之竹"变成了“手中之竹"。

　　冼星海青年时期在巴黎学习音乐时,曾创作了一个颇受赞誉的作品(风),他在回忆这个作品的创作动机时讲到,当时他生活贫困,住在一间门窗破旧的小房子里,甚至连棉被都被送进当铺了,寒夜奇冷难以入眠,只得点灯写作。“我伤心极了,我打着寒战听寒风打着墙壁,穿过门窗,猛烈嘶吼,我的心也跟着猛烈撼动,一切人生的,祖国的苦,辣,辛,酸,不幸,都汹涌起来。 我不能自已,借风述怀,写成了这个作品。”

　　尽管艺术家的创作动机多种多样,各不相同,但独特的体验与生活的积累始终是其中的一个重要原因。

　　2、艺术构思

　　艺术构思,是指艺术创造者在艺术体验的基础上,以特定的创作动机为引导,通过各种心理活动和特定的艺术思维方式,对原始素材进行加工,提炼,组合,在头脑中形成艺术意象的过程。艺术意象是艺术创造者的审美情感与客观事物相融合的产物。

　　艺术构思是一种十分复杂的精神活动,也是一项艰苦的脑力劳动,它是艺术家在深入观察,思考和体验生活的基础上,对生活素材加以选择,加工,提炼,组合的过程,其中融人了艺术家的想象,情感等多种心理因素,形成了主体和客体统一现象与本质统一,感性与理性统一的艺术意象。 如果用一句话来概括,艺术构思活动就是在艺术家头脑中形成主客体统一的审美意象。

　　而以后的艺术传达活动则是把这种审美意象通过艺术媒介或艺术语言,物态化为可供其他人欣赏的艺术形象。艺术构思的方式主要包括整合,变形,移情,意蕴的凝结等。

　　整合,即调动材料储备和生活积累,根据创作意图将有关的意象进行整合,产生复合意象。整合的运作方式包括叠加,联结,互渗和互融等。如鲁迅的(阿Q正传)发表后,曾经有不少人对号人座,认为鲁迅是在讽刺他们,事实上,阿Q这一人物形象不是现实生活中的某个人,而是叠加了当时许多中国人的一般形象特征和性格特征而构思出来的典型形象。

　　变形,即根据创作意图,对生活原型的某些特征予以强化,突出或夸张,而把另一些特征予以弱化,淹没或缩小等。如小说(西游记)中创造的孙悟空,猪八戒等许多生动的艺术形象和精彩有趣的故事情节,虽然具有极大的创造性,但归根到底,并不是凭空想象产生的,而是艺术家原有的生活体验与生活积累的变形。

　　移情,即将自己在甲事物中体验过的审美情感移入类似甲的乙事物之中。包括把对人的情感体验移入花草树木,动物甚至无生命的山水等,意蕴的凝结,即挖掘素材当中具有典型哲理意味的特征,创造蕴含深刻的意境。 如影片(城南旧事)结尾,在“长亭外古道边”的音乐声中，画面上秋日香山火红的枫叶接连六次化入又化出,这种艺术构思不仅准确地表达了女主人公小英子离别故土的无限伤感之情,也不禁使人想起(西厢记)中的名句“晓来谁染霜林醉,总是离人泪"的意境。

　　影片<林则徐>中,林则徐送别友人后,快步登上山头亭子,只见大江中一叶扁舟正顺流而下,这一独到的艺术构思,情景交融,感人至深,在银幕上的滔滔江水中寄寓了"孤帆远影碧空尽,唯见长江天际流”的深邃意境,这一镜头也成为中国电影史上的著名镜头。

　　艺术意象是艺术家在对客观世界审美感知与体验的基础上,融会了主观的思想,感情,愿望,理想,在艺术家头脑中经过创造性的艺术想象而形成的。艺术构思阶段的主要任务,就在于通过想象形成或产生艺术意象

　　“所谓想象,就是我们的大脑两半球在条件刺激物的影响之下,以我们从知觉所得来而且在记忆中所保存的回忆的表象的材料,通过分析与综合的加工作用,创造出来未曾亲身经历过的或是未曾存在过的事物的形象的过程。”正是由于想象具有这种创造的能力,使它在艺术创造构思活动中占有核心的地位。

　　艺术家们可以凭借想象,对原有的生活积累进行整合,变形,移情和意蕴凝结,创造出源于生活并高于生活的艺术世界,创造出艺术家未曾亲身经历过的事件和未曾亲身接触过的人物。 想象为艺术家们开拓了无限广阔的思维空间,使其能够“精骛八极,心游万仞"地去进行艺术构思。 高尔基从艺术思维和形象思维的高度来说明想象在艺术创造中的作用,认为想象是一种高度自由的思维活动,正是想象使艺术家具有了自由创造的思维能力,他说:“想象在本质上也是对世界的思维,但它主要用形象来思维,是'艺术的'思维。"

　　高尔基还结合艺术创造的实践,结合艺术创造的经验与体会来进一步阐明艺术想象的重要性,他说:“科学工作者研究公羊时,用不着想象自己也是一只公羊,但是文学家则不然,他虽慷慨,却必须想象白已是个吝啬鬼,他虽毫无私心,却必须觉得白己是个贪婪的守财奴,他虽意志薄弱,但却必须令人信服地描写出一个意志坚强的人。”

　　在艺术意象构思活动中,除了想象以外,情感也是一个十分重要的心理因素,贯穿于艺术创造的始终。如果说想象是艺术构思的核心,那么情感就是艺术构思的动力。 在艺术构思活动中,尽管有感知,理解,联想,想象等多种心理因素,但它们都是在情感的渗透和影响下发挥作用的,只有在艺术家炽烈情感的浇灌下,才能形成审美意象,完成艺术构思。

　　3、艺术表现

　　艺术表现指艺术创造者选择并运用特定的艺术语言,将自己艺术构思中已经基本形成的艺术意象最终呈现为物态的存在,使之成为具体可感的艺术形象或艺术情境。

　　艺术意象的表现,离不开一定的物质材料,如绘画需要纸,笔,墨等,雕塑需要大理石,青铜等才能使审美意象物态化,成为具体可感的艺术品。 与此同时,艺术传达活动更离不开一定的艺术媒介或艺术语言。如绘画语言包括色彩,线条等,音乐语言包括节奏,旋律等,电影语言包括画面,声音等。由于各门艺术所采用的物质材料和艺术媒介各不相同,因此,各门艺术的艺术传达方式都有各自不同的特点,有自己特殊的制作方法和表现手法,这使得艺术技巧和手法在艺术传达中具有格外重要的意义。

　　艺术意象的表现还离不开一定的艺术技巧。黑格尔十分重视艺术技巧在创作中的作用,他有过一段很精辟的论述:“艺术创造还有个重要的方面,即艺术外表的工作,因为艺术作品有一个纯然是技巧的方面,很接近于手工业;这一方面在建筑和雕刻中最为重要,在图画和音乐中次之,在诗歌中又次之。这种熟练的技巧不是从灵感来的,它完全思索、勤勉和练习。

　　一个艺术家必须具有这种熟练技巧,才可以驾驭外在的材料,不至于因为它们不听命而受到妨碍。"显然,艺术家之所以为艺术家,除了他们特殊的观察力和想象力之外,还因为他们具有熟练,高超的艺术技巧,能够得心应手地运用一定的物质材料和艺术语言,媒介和方法来完成艺术创造。正如黑格尔指出,这种熟练的技巧不是天生的,“它完全要靠思索,勤勉和练习”,艺术家为了达到这一要求,需要付出长期艰苦的劳动,需要付出大量的汗水和心血。中外艺术史上有许多生动的例子。

　　如曾巩(墨池记)中记载,晋代大书法家王羲之曾在江西临川城东临池学书,长年累月坚持不懈,以至池水变黑,留下墨池故迹。这说明,杰出的书法家总是经过勤奋刻苦地学习和实践才可以取得后来的成就。因此,书法界至今仍把“临池”作为学习书法的代称。

　　艺术表现过程不是一个机械转化的过程,不是把意象不折不扣地物态化出来的过程,正如郑板桥所言:“落笔倏作变相。”"手中之竹"不是“胸中之竹”,“胸中之竹”不能被复制出来,对意象的表达是一个继续创造的过程,也是一个操作过程,受表现技能,技术手段等各种因素的影响,也受创造活力的影响。“胸中之竹”没有完全实现在“手中之竹”中,同时“手中之竹"又多出了一些东西,二者是叠印的关系。在艺术表现的过程中,创作主体的审美倾向逐步明确,艺术语言得到锤炼,艺术意蕴得到升华。

　　第三节

　　三、艺术创造的心理要素与艺术思维

　　1、艺术创造的心理要素

　　1)审美感知

　　感知包括感觉和知觉。感觉是指客观事物经由人的感觉器官在人的头脑中的主观映像,是对事物个别属性的反映。审美感觉是人在审美活动中的一种特殊感觉。知觉,则是在感觉的基础上对事物较为综合的,整体性的把握,审美知觉的对象不是事物的客观物理属性,而是事物的审美属性。审美感觉和知觉通常交织在一起,共同发挥作用。

　　感觉是一切心理活动的基础。感觉可以反映客观事物的各种属性,如颜色,线条,声音,气味等。感觉是依赖于客观物质作用于人的大脑,依赖于感官的正常机能产生的,因此,五官的感觉构成人类一切活动的基础。审美对象都具有可感的形式,这些可感的美的形象或形式直接作用于人的感觉器官,人的审美活动才能开始,所以说,感觉是我们进人审美世界的第一个台阶。

　　同时,美感活动始终不能离开感觉活动,一切较高级的,较复杂的心理机能如联想、想象、情感、理解等,都是以感觉为基础的;这些较高级的心理因素在审美活动中更是始终离不开感觉,人的感觉包括视觉,听觉,味觉,嗅觉,触觉及反映内部身体状态的内部感觉等,在审美活动中,人的各种感觉器官都对美感的形成产生影响,如对风声,雨声的听(听觉),对花草虫鱼的观赏(视觉),对山石,树干的触摸(触觉)美对初春山野和田园大地的芬芳所闻(嗅觉),对清新泉水的甘美品味(味觉)等，都对人产生美感发挥着重要作用

　　但是,在人类审美活动中,起主要作用的是视觉和听觉。为什么呢?主要有以下三方面的原因:

　　一是视党可以看到各种颜色,线条,动作,表情以及人与物的各种形态等,听觉可以听到各种具有不同音质,旋律,节奏的声音等,它们与味觉,嗅觉,触觉相比有更为广阔的感受苑围,较少受到时空距离的限制;

　　二是视觉,听觉与理智联系较密切,较少受生理需要的制约,因此,具有更大的目由性;

　　三是视觉和听觉能真实反映事物的特征,较少受主观条件的限制和影响。

　　知觉是人脑对客观事物的整体性和事物之间的关系的反映。知觉与感觉的主要区别在于:

　　一是在知觉中,大脑所反映的是事物的整体性和事物之间的关系;而在感觉中,大脑所反映的是事物的个别属性;

　　第二,知觉的产生必须通过各种感官的联合行动才能获得,是在多种感觉的基础上产生的;而感觉在客观事物单纯作用于人的某一感觉器官时也能产生;

　　感觉直接产生于感官对客观事物的接触,这是由于感觉是对客观事物个别属性的直接反映,而知觉是对客观事物整体性及其关系的完整反映。也就是说,第一点区别决定了第二点区别,知觉与感觉的相同之处在于:它们都是客观事物直接作用于感觉器官,而在大脑中所产生的对当前事物的反映。只有当客观事物直接作用于感觉器官,引起它的活动时,才会产生感觉和知觉,一旦客观事物在我们感觉器官所及的范围内消失,感觉和知觉也就停止了。

　　知觉与感觉的联系在于:

　　第一,感觉是知觉的基础。客观事物总是由许多个别属性组成,没有反映事物的个别属性的感觉,反映事物的整体性的知觉就不存在。感觉是一切复杂认识的心理基础,首先是知觉的心理基础。知觉必须以各种形式的感觉为前提,如果没有对各种花的颜色,气味等个别属性的感觉,就不可能形成对花的整体性的知觉。感觉到的事物的个别属性愈丰富,愈精确,对事物的知觉也就愈发完整,愈正确。

　　第二,感觉往往作为知觉的组成部分而存在。事物的个别属性总是离不开事物的整体属性而存在。 人在实际生活中常常是以知觉形式反映事物,感觉只是作为知觉的组成部分而存在于知觉中,很少有孤立的感觉存在。

　　第三,知觉是比感觉高一级的心理活动,不是各种感觉的简单相加,而是在感觉基础上意识到感觉的意义,与理解有密切联系。知觉虽然是在感觉的基础上产生的,但是不同于各种感觉因素,个别属性相加之和,知觉的内容与感觉的内容具有质的不同,不是用各种感觉所能取代的。

　　审美知觉的特点和作用表现在四个方面：

　　一是审美知觉的整体性及其作用。整体性虽然是知觉的一般特性,但在审美知觉中更加集中。审美知觉不是各种事物及其各种属性相加的总和,而必须是一个完整的有机总体,因为审美对象是一个完整的有机体。如果离开了美的对象的整体性,把对审美对象的知觉作为许多孤立的部分,那就不能感受和认知美的对象,引起美感的活动。

　　听音乐时,如果我们知觉的是单纯的声音或孤立的一个个音符,那就不可能获得由旋律,节奏等组成的整体美,就不能欣赏音乐的完整性和生动的艺术形象。再如,我们欣赏绘画时,如果只感到一块块的色彩,一个个的形体,而不能知觉色彩和形体所构成的完整形象及它的构图和表现的意境,则不能欣赏绘画的美。只有当审美知觉不是零碎的、孤立的，而是构成一个完整性的有机形象时,才能感受对象的美,才能直正地获得审美享受。艺术家在审美时也是感受审美对象的整体,而不是一个一个的部分。

　　二是审美知觉的选择性及其作用:作用于感官的客观事物是纷繁的,各式各样的,对许多感性事物人不能同时接受,而必须根据自己的兴趣和爱好,有选择地接受少数事物,这样知觉才会鲜明和清晰，才会体现出自己的兴趣和爱好,这种选择性在审美欣赏中是非常突出的,如我们在露天剧场看演出，尽管环境非常杂乱,我们还是会专心于舞台上的形象与表演,而不去听环境的吵

　　闹声,不去看过往的行人和车辆。这种专心于舞台上的形象而不闻周围环境的吵闹的现象,就体现了审美知觉的选择性。

　　三是审美知觉带有浓郁的情绪和感情色彩。同一个审美对象,往往因欣赏者的情绪或情感的不同而产生不同的审美知觉。如人在高兴时感觉月色溶溶,夜静荷香,在人愁苦思乡时却可能感到月色清冷,寂寥惆怅。所以审美知觉是伴随看浓郁情感的,它能够因此而触发人的想象和理解,使审美心理活动得以进一步的展开,使人从对美的事物的欣赏中产生更丰富的审美享受。

　　四是审美知觉有统觉作用。感觉都是相互作用的,一种感觉具有唤起另一种感觉的作用。 心理学上认为,统觉是一种感觉唤起另一种感觉的心理现象,是感觉之间相互作用的一种表现。正如费尔巴哈所说:"绘画家也是音乐家,因为,他不仅描绘出可见的对象物给他的眼睛所造成的印象,而且也描绘出给他的耳朵所造成的印象;我们不仅观赏其景色,而且,也听到牧人在吹奏,听到泉水在流,听到树叶在颤动。"

　　当我们欣赏故宫的建筑美时,不仅通过视觉看到了故宫建筑的外形,色彩搭配,质料等,而且我们还通过视觉看到了故宫建筑结构的宽窄,高低,繁简等有规律的变化,以及门窗、廊柱等有规律的排列,唤起了听觉对音乐所产生的韵律感和节奏感。这种视觉和听觉,嗅觉等多种感觉的相互作用,相互渗透的心理现象,就是统觉现象。 统觉在审美中有着重要的作用,它是人们感知事物整体特征和进行审美联想的基础。

　　2)审美想象

　　①审美想象的概念

　　审美想象是在记忆表象的基础上,经过有目的的组织和改造,创造新的艺术形象或意境的过程。

　　审美想象是艺术家获得丰厚审美经验以及从事创造活动中最重要的因素之一。

　　想象又分为再造性想象(知觉想象)和创造性想象,艺术家的创造活动主要依靠创造性想象。

　　想象是人脑中对已有表象进行加工改造和创造新形象的心理过程。再造性想象就是根据语言描述,图像,音响的示意等再造出相应形象的过程;而创造性想象则是不依据现成的描述而独立创造新形象的过程。创造性想象与再造性想象都必须以表象为材料,都是对原有表象重新进行加工改造,重新进行组合的结果。

　　再造性想象中包含创造性想象的因素,创造性想象也必须以再造性想象作为基础。 它们之间的差别在于:再造性想象是以别人提供的间接表象作为“再造条件”的,作为再造性想象结果的新形象是在此基础上大脑调动个人的生活积累和情感创造出来的。 而创造性想象是不受上述间接表象限制的,作为创造性想象结果的新形象是直接根据自己的生活体验独立创造出来的。因此,创造性想象比再造性想象的创造性程度要高。

　　想象在形成美感的过程中具有重要的作用,没有想象,人就不能形成审美理想,不能创造出比现实生活中已有的事物更美的现实美和艺术美:一方面,人类只有不断想象更美好的生活理想,才能不断创造新的,更美的生活形象;另一方面,艺术作品中的典型环境和典型人物的创造都是艺术家创造性想象的结果。艺术创造中以创造性想象为主,再造性想象只是在参与创造性想象过程中起作用。

　　②审美想象的特性

　　第一,审美想象离不开表象记忆。

　　想象的基础是人的独特心理功能与社会生活积累。作为一种特殊的心理功能,想象能力是每个人都有的。有了想象能力,才使人类能够进行创造性劳动。人类的一切发明创造,科学实验,艺术创造都离不开想象 但是,人类进行想象的活动受制于社会历史条件,整个人类的总体想象能力是随着人类历史的不断发展而不断提高的;每个人的想象能力也是不同的,想象的基础是人在生活中积累的表象记忆。

　　表象就是在记忆中所保持的客观事物的形象,换句话说,就是感知过的事物不在面前时,在人的大脑中再现出来的这一事物的形象。 表象作为人的大脑反映客观事物的形貌保存在人的记忆中。人的知觉总是以原有的感性认知和经验来补充的,而这些认知和经验都是以表象的形式存贮在记忆中的,同时,在感知中又产生新的表象。因此,感知是表象的直接来源,表象又积极地活跃于感知活动之中。有了表象,我们才能把过去的事物同现在的事物联系起来,才能进行高级的心理活动(联想,想象和思维等)。

　　第二,审美想象是积极的,能动的和创造性的。想象的本质特征在于改造表象并创造新形象,在于创造性。想象的直接结果是创造新的形象,任何想象都是具有创造性的。

　　第三,审美想象要符合生活的逻辑和情感的逻辑,因为想象虽然是一种心理功能,但必须有生活的依据和情感的依据,而不是空穴来风,空中楼阁,所以,审美想象必须遵循生活的逻辑与情感的逻辑。

　　③审美联想

　　审美联想是指审美主体由当前所感知的事物引发而想起有关的另一事物的心理活动。想象和联想有着密切的联系,联想往往能激发艺术家的想象,想象与联想可以相互交叉与融合。

　　联想是从对当前事物的感知中回忆起有关的其他事物,是中枢神经中已经形成的暂时联系的恢复;而想象是在头脑中改造记忆中的表象,从而创造新形象的过程,是中枢神经中旧的暂时联系经过重新组合形成的新的暂时联系的过程。因此,联想的结果是记忆形象的再现,而想象的结果是记忆形象经过重新组合而形成的新的形象。

　　联想具有多种形式,一般根据事物之间相互联系的性质区分为接近联想,类似联想,对比联想,关系联想等。

　　电影中的蒙太奇手法就是对多种联想形式的广泛运用。

　　接近联想：指由于甲,乙两事物在时间或空间上非常接近,人们感知到甲便联想到乙,或感知到乙便联想到甲。 睹物思人,看到瑞雪便想到丰年,就属丁接近联想。

　　接近联想在审美中的作用表现为:使审美主体在感知一事物的审美特征时,想到其他事物的审美特征,使人们能够在艺术创造中因虚得实,虚实相生,给人以象外之境,无穷之意。

　　类似联想：指由于甲,乙两物在某一点上有相似之处,人们感知到甲就联想到乙。类似联想是由事物间的相似性引起的,这种相似不仅限于事物在形状,色彩,质地等形式方面的相似,也包括事物性质,本质方面的相似。同时,事物在这两方面的相似特征引起的联想又往往交织在一起,呈现出形态和性质联想交错进行的复杂形式。类似联想普遍存在于艺术创造和审美实践中。艺术创造中的比,兴手法都是以类似联想为基础的。类似联想使人们的审美领域无比宽阔,极大地丰富了审美内容。

　　对比联想：指由于甲,乙两件事物具有相对立的性质特征,人们感知到甲时就联想到乙。如杜甫的名句:“朱门酒肉臭,路有冻死骨。”对比联想能够使人们在艺术创造中鲜明,有力而精练地表达自己的思想和情感,也可使欣赏者更深刻,准确地领会创作意图,与创作者产生极大共鸣。同时,这种联想能够使相反的事物性质或事物相对独特的个性在对比中得到突出,有助于审美者提高对善恶,美丑及其他事物性质的认识。

　　关系联想：由感知的事物想到该事物的意义及与其相关联的事物,称为关系联想。如由文具想到钢笔,铅笔,橡皮等具有种属关系的事物;由阴天想到下雨等具有因果关系的事物等等。

　　关系联想的审美意义主要表现在：

　　第一,使人由审美对象的审美特征的现实意义联系到它的历史意义。

　　第二,使人由审美对象的审美特征所产生的结果联想到它产生的原因。

　　第三,使人由审美对象的部分审美特征联想到它的整体或全部的审美特征。

　　3)审美情感

　　① 情感是主体对客观现实的一种特殊的心理反应,审美情感则是审美主体对客观对象是否符合自己的审美需要所作出的一种心理反应。

　　在审美情感中,人的理智(认识),意志(需要)和情感处于和谐统一之中。由于这种和谐统一,在审美中才会感到无私与自由的愉快。审美情感以日常生活情感为基础,但审美情感中蕴涵着的理性认识,含有比日常生活情感更丰富,更深刻的社会内容。因此,它更能够净化人的心灵,陶冶人的情操。审美情感不同于认识情感和意志情感,它始终不脱离具体、完整的生动形象,直接对形象产生情感,具有复杂的个性和多样性;而不像认识情感,意志情感那样具有社会普遍性。

　　② 情感在创造活动中是联系感知,表象,想象,联想,理解,判断等心理因素的中间环节,是推动艺术创造思维进展的内驱力。

　　情感在美的创造和欣赏中具有非常重要的作用,贯穿于美感形成的全过程, 如果说想象是人们创造美,欣赏美的核心,情感就是人们创造美、欣赏美的动力。在艺术创造过程中,情感是人们创作的动力。

　　人们在生活中对客观事物产牛的情感,是人们对生活形象,现实事物产生美感的基础。在生活中孕育的艺术家的情感,是艺术家产生创作愿望的基础。艺术作品中饱含着艺术家的情感,只有浸透了创作者丰富情感的艺术形象才具有感人的艺术魅力。在对美的欣赏过程中,美感的形成也离不开情感。在欣赏自然美时,往往由于触景生情产生美感;在欣赏社会美时,往往由于社会事物对人具有巨大的感染力或包含了人们在实践过程中对现实事物产生的美好的情感而产生美感;在欣赏艺术美时,往往由于艺术作品中包含的艺术家的丰富情感与欣赏者产生强烈共鸣而产生美感。

　　③ 与人的日常情感相比,创造主体的审美情感更加丰富,深沉和细腻,是多层次,多方面的,同时具有很强的个性色彩。

　　4)审美理解

　　① 审美理解是作为主体的人在审美过程中对其与客体世界的关系,对艺术活动及其规律的认识,领悟或把握。

　　理解是通过揭示事物间的联系而认识新事物的心理过程。按照理解深浅程度的不同,可将理解分为对事物外部联系的理解和对事物内部联系的理解,这两种理解形式在美感活动中都不是仅仅依靠概念,判断和推理的逻辑思维形式进行的,审美理解是与感知,联想,想象情感等审美心理因素密切联系在一起的,具有生动的形象性。

　　② 审美理解是和感知,情感,想象等心理因素交织在一起的,领悟式的理解。

　　美感中的理解因素,既有不脱离具体生动形象的体验,又在审美感受中包含着领悟,比较,推敲等理性思维活动,对审美对象的理解和认识是以感性活动的形式完成的。因此美感中的理解往往不像语言表达的理解认识那样确定,富有逻辑性,而常常具有“可以意会难以言传”的特点。此外,审美理解具有直接的领悟性,即在审美理解中,是直接通过对感性形象的接触和感知顿悟到事物的本质和意义。

　　③ 审美理解是美感深化的表现和必要环节,能够推动想象和联想的展开,并促成艺术意蕴的升华。

　　尽管在审美心理过程中没有一个独立的理解阶段,但是,理解在美感深化过程中的作用是十分重要的,它广泛渗透于感知,联想,想象,情感等活动中。

　　首先,知觉必须依赖过去的知识和经验,而过去的知识和经验中就包含着理解因素,它必然渗透到当前的感知活动中。没有理解的参与,感知的整体性,选择性和情感性就不可能是积极的。

　　其次,在审美联想和审美想象中,理解具有明显的作用。各种不同形式的联想都是建立在对事物普遍联系的理解基础之上的。没有对事物间关系的理解,任何形式的联想都不可能形成。同时,想象中具有更深刻的理性内容,如果没有对事物间本质和规律的理解,就不可能在改造旧的表象基础上创造出新颖的、独特的形象来。

　　第三,情感和理解是互为动力的,理解越深刻,审美情感越丰厚;审美情感越丰富,深厚,则理解越深刻。总之,审美心理因素是互相渗透,互相作用的,最终审美理解规范、指导美感的内容和发展方向。

　　第四,理解使我们领会到审美对象蕴涵的意义,以形成美感,即我们对“弦外之音”“象外之意”的体会,对审美对象深刻思想内容或宽泛意境的领会,都是需要通过对生动形象的理解来实现的。

　　2、艺术思维

　　1)形象思维

　　形象思维是艺术家在创作活动中从体验生活,到进行艺术构思,形成艺术意象,并将其物化为艺术形象或艺术意境的整个过程中所采取的一种主要的思维方式。它是以具体的,整体性的形象为思维材料进行的复杂心理活动。

　　关于形象思维,文艺界和学术界至今仍有各种不同的有法。我们认为,形象思维是人类能动地认识和反映世界的基本形式之一,也是艺术创造的主要思维方式,形象思维是运用一定的形象来感知,把握和认识事物,也就是通过具体,感性的形象来达到对事物本质规律认识的一种思维形式。

　　形象思维最基本的特点是:

　　第一,具象性,即形象思维始终要以具体可感的事象或物象作为思维的材料。如同抽象思维始终离不开概念一样,形象思维的特点是自始至终离不开具体可感的形象,总是运用形象来进行思维。

　　第二,情感性,即形象思维过程中渗透着丰富的审美感情色彩,情感是人展开形象思维的动力,也是贯穿于整个形象思维过程的重要心理因素。在情感的作用下,感知,联想,想象等成为形象思维的主要心理活动方式。

　　第三,创造性,是指在原有思维材料基础上促成新形象或新意境的生成,创作主体通过形象思维，能够在表象的基础上创造出从未有过的新形象,新意境。

　　正因为形象思维有这些基本的特点,因而它成为艺术创造和欣赏的主要思维方式。

　　首先,艺术创造的全过程始终离不开具体可感的形象,艺术家在着手创造艺术形象之前,先经过一个体验或构思的过程,将要创造的形象,以表象的形式在他的头脑中自发和自觉地活动起来。

　　在心理学中,表象就是指人们记忆中所保持的客观事物的形象,表象的最大特点就是形象性。在艺术创造的整个过程中,想象等多种心理功能异常活跃,它们不断地改造着原有的表象并创造出新的表象,最终形成艺术形象。可见,无论是体验还是构思,无论是传达还是表现,艺术创造的全部过程始终离不开具体可感的形象。

　　关于鲁迅在谈到阿Q这一人物形象的产生时说过:“阿Q的影像,在我心目中似乎已有了好几年。”许多艺术家在这一点上有相同的体会,他们将要塑造的人物形象实际上已经在他们头脑中酝酿构思了很长时间,有的人物形象实际上已经成了艺术家的“老朋友”,艺术家只要闭上眼睛就能看见他,同他交谈,同他对话,简直达到了招之即来,呼之即应的程度。巴尔扎克甚至在创作过程中,同自己创造的人物形象激烈地争吵起来,非常气愤地责骂道:“你这个恶棍,找要给你点颜色瞧瞧。”显然,这样创作出来的人物形象自然是有血有肉,栩栩如生的了。

　　其次,艺术创造的全过程始终依赖想象,情感等多种心理功能,因而艺术创造的主要思维方式只能是形象思维。别林斯基说:“哲学家用三段论法,诗人用形象和图画说话。”哲学家的思维方式是抽象思维,是用概念或范畴来进行判断和推理,它需要客观地,冷静地对待事物,揭示出潜藏于事物中的“真”。而艺术家的思维方式,主要是形象思维,它离不开艺术家生动的想象和丰富的情感,艺术家通过积极能动的创造活动,发掘出蕴藏在事物中的“美"。在艺术创造中,想象是核心,情感是动力,离开了想象和情感,就没有艺术。

　　再次,艺术创造的全过程始终具有具象性的特点,这也是形象思维的一个基本特点。抽象思维侧重于分析。如传统哲学把人的认识和心理分为知,情,意三大部分,分别由哲学,美学,伦理学来进行研究,康德就是由他著名的三大批判来构成了他的哲学体系。医学更是把人体分成外科,内科,五官科,皮肤科等。 而艺术家在创作过程中,却总是把生活当成完整具体的画面,把人物当成完整的形象来进行思维的。

　　在艺术创造中,这种整体性是非常重要的,为了保持一个艺术作品的整体性,作家可以忍痛割爱,删去某些或许够得上精彩的情节和细节;电影艺术家则可以剪掉许多拍摄精致的画面和镜头。这方面较突出的例子要算罗丹创作巴尔扎克雕像的逸闻。据说罗丹在完成巴尔扎克雕像的过程中多次进行了加工修改,有一次在完成雕像的雏形后,他找来三个学生征求意见,哪知这三个学生都对雕像的那双手赞不绝口,有的赞扬说只有上帝才能创造出这双手,有的赞扬说单凭这双手就可以使罗丹在艺术史上不朽。

　　罗丹听完后,出平他们意料之外,抡起斧子砍掉了雕像的这双手,并且告诉学生们:“傻子们,这双手太突出了!它们已经有了它们自己的生命,它们已不属于这个雕像的整体了。所以我不能不把它们饮掉。记看,而且好好地记着:一件真正完美的艺术品,没有任何一部分是比整体更加重要的。”

　　总之,形象思维的基本特点符合艺术创造的需要,形象思维是艺术创造基本的和主要的思维方式。

　　2)抽象思维

　　我们也应当看到,艺术创造是人类高级的,复杂的审美创造活动,艺术创造是以形象思维为主,但同时也离不开抽象思维和灵感思维。

　　抽象思维是运用概念来进行判断,推理和论证的思维方法。形象思维与抽象思维在艺术家的创造活动中共同起作用,二者可以相互补充和促进,在艺术构思与创造的过程中,诸如作品体裁的选择,主题的提炼,结构的安排,人物性格的设计,表现手法的选择等,或多或少都离不开抽象思维活动。

　　画家安格尔认为“艺术的生命就是深刻的思维和崇高的激情”。在绘画这样的造型艺术中,也不能完全脱离抽象思维。文学作品需要通过语言来描述形象,更需要准确地掌握概念的内涵和外延,如王安石把“春风又到江南岸”改为“春风又绿江南岸”,贾岛把“僧推月下门”改为“僧敲月下门”,这一字之动,反映出诗人在艺术创造中对每个字的含义的反复推敲,古代的一些玄言诗,哲理诗,议论散文,更是明显地体现出抽象思维的作用。

　　特别是由于近现代科学技术的极大发展,抽象思维日益渗透进艺术领域,扩大了艺术表现的手法和天地。20世纪上半叶出现的抽象主义画派,将西方绘画中的抽象化倾向大大发展,至今欧美各国画廊到处可见这种抽象派绘画作品。以萨特,加缪等人为代表的存在主义小说,更是直接以文艺的形式来宣传存在主义的哲学思想。

　　20世纪初以比利时剧作家梅特林克的<青鸟>为代表的象征主义戏剧,也是以富有象征意义的剧情来揭示和宣传哲理。甚至电影这样较为大众化的综合艺术,在近几十年来也出现了哲理化倾向,乃至在苏联形成了一种“思想电影”的思潮,出现了罗姆的<一年中的九天>(1961)、尤特凯维奇的<列宁在波兰>(1965)等“思想电影”的代表作品。

　　当然,必须强调指出的是,抽象思维在艺术活动中,必须服从于形象思维的规律,有机融合在形象思维之中,如钱锺书先生所言“理之在诗,如水中盐.... 无痕有味” 。事实上,在艺术活动中,形象思维与抽象思维也确是这样相互融合,彼此渗透,共同发挥作用的。

　　3)灵感

　　灵感是指艺术家在创造过程中的某一时间内,突然出现精神高度亢奋,思维极为活跃的特殊心理现象,呈现为远远超出平常水准的创作冲动和创作能力,艺术构思或传达通过顿悟获得飞跃。灵感具有突发性,超常性,易逝性的特征。形象思维与灵感具有一定联系,二者往往交互作用。

　　在科学和艺术等创造性活动中,都客观存在着这种灵感思维。钱学森认为:“凡是有创造经验的同志都知道光靠形象思维和抽象思维不能创造,不能突破;要创造要突破得有灵感。”“创造思维中的‘灵感’是一种不同于形象思维和抽象思维的思维形式。”事实上,早在古希腊时期,人们就注意到灵感的存在,古希腊哲学家德谟克利特就说过:“一位诗人以热情并在神圣的灵感之下所作成的一切诗句,当然是美的。"

　　可见,古希腊哲人看到了艺术创造中灵感的存在,但又把这种灵感归之于神的赐子,归之于诗人吸取了“神的灵气”。中外美学家,艺术家们对灵感也有大量的论述,但常常是在肯定灵感作用的同时,又给灵感蒙上了一层神秘的色彩。其实,现代生理学、心理学和思维科学的发展,正在逐步解开灵感的奥秘。作为一种特殊的精神现象,灵感是创造性活动中的一种特殊的心理状态和思维形式,灵感的出现与潜意识或无意识活动有密切的关系,但也与自觉的意识活动的长期积累紧密相关。

　　在艺术创造中，任何灵感的产生都离不开艺术家的冥思苦想、长期寻觅、艰辛探索，犹如人们常讲的“踏破铁鞋无觅处,得来全不费工夫”。其实,这种茅塞顿开,突然触发的灵感,好像是不期而遇,突然涌发,实际上已经有“踏破铁鞋”的艰苦寻觅过程作为基础和前提。柴可夫斯基指出:“灵感是这样一位客人,他不爱拜访懒惰者。” 黑格尔更是用形象的语言生动地阐述了这个道理,他说:“最大的天才尽管朝朝暮暮躺在青草地上,让微风吹来,眼望着天空,温柔的灵感也始终不光顾他。”

　　对艺术家来讲,只有呕心沥血地探寻,锲而不舍地追求,孜孜不倦地苦思,才会获得顿悟和灵感。据说法国作家罗曼•罗兰在创作长篇小说<约翰·克利斯朵夫>的过程中,有一天傍晚在罗马城郊观看夕阳时,仿佛看见克利斯朵夫这个人物站在夕阳西下的地平线上,顿时创作灵感如泉喷涌。其实,罗曼.罗兰为创作这部小说,早就做了大量的准备和长期的构思,这一瞬间的灵感离不开长期艰苦酝酿的过程。

　　波兰著名钢琴家肖邦一生中创作了20多首钢琴练习曲,其中最著名的一首是《c小调(革命)练习曲》,创作这首曲子时肖邦正在赴西欧的途中,难以遏止的创作灵感使他在辛苦旅途中仅花几天时间就完成了这首著名的练习曲。事实上,肖邦早在1830年11月在国外听到华沙爆发革命起义的消息后,心情非常激动,创作冲动就开始时时撩扰着他的心灵,而一年后在赴西欧途中听到华沙革命失败的消息后,巨大的悲痛激发了他的创作灵感,这首钢琴曲正是他内心情感的总爆发。

　　灵感是艺术家在成熟运用形象思维和抽象思维的基础上,在意识和无意识的相互作用之下产生的。灵感是艺术家长期精心构思、艰苦寻觅的精神能量在一瞬间的突然爆发,它与无意识或潜意识也有一定的关系。所谓无意识,或者潜意识和下意识,是相对于意识而言的。在普通心理学中,无意识指人的不知不觉,没有意识的心理活动。艺术创造是艺术家有目的,有意识的一种创造性活动,因此,艺术创造中意识的作用,得到普遍的承认。

　　但是,对于艺术创造中究竟有没有无意识的作用,就存在着截然不同的意见了。从总体上看,艺术创造无疑是艺术家有目的,有意识的创造活动,意识在艺术创造中起着主要和支配的作用。然而,艺术创造中又确实存在着一些无意识或下意识的活动,这种无意识或下意识常常成为激发顿悟,灵感的契机,也常常成为表演艺术二度创作的最佳瞬间。事实上,无意识或下意识并不神秘,它其实也是人的一种正常心理活动。意识与无意识之间构成了一种辩证的关系。

　　现代心理学,生理学的研究结果表明,在正常条件下,人的活动都是有意识的活动,但对于一些比较复杂的活动来讲,又常常包含有某些无意识的活动。艺术创造是人的一种高级,复杂的创造活动,为什么有时在“梦”和“解”的情沉下,艺术家能突然获得创作灵感呢?

　　这就是由于在这种情况下,艺术家的大脑皮层暂时从紧张的创作状态中得到放松,在无意识或下意识的状态下,突破了常规思维的局限和束缚,在无意识向有意识的转化过程中,以异于平时的方式冲破了原来的框架,获得了创造性的飞跃,顿悟或灵感不期而至,这种灵感并不是从天上掉下来的,也不是神的赐予,而是艺术家长期艰苦艺术构思过程的瞬间爆发。显然,在无意识中渗透着意识,在感性中交织着理性,在灵感中凝聚着艺术家孜孜不倦的追求和长期的潜心苦思。

　　总之,在艺术思维中,形象思维是主体,抽象思维和灵感思维只有重要的作用。

　　同步练习

　　一、选择题

　　1. <离骚>的作者是( )

　　A.孔子

　　B.屈原

　　C.蔡文姬

　　D.司马迁

　　答案：B

　　2.<老人与海>的作者是( )

　　A.海明威

　　B.杰克•伦敦

　　C.司汤达

　　D.马克.吐温

　　答案：A

　　3. <悲怆交响曲>是( )的代表作之一。

　　A.贝多芬

　　B.巴赫

　　C.肖邦

　　D.柴可夫斯基

　　答案：D

　　4.何占豪、陈钢创作的《梁山伯与祝英台》是一首( )

　　A.小提琴独奏曲

　　B.二胡独奏曲

　　C.小提琴协奏曲

　　D. 交响曲

　　答案：C

　　5. <二泉映月>是华彦钧创作的一首( )独奏曲。

　　A.古筝

　　B.京胡

　　C.二胡

　　D.板胡

　　答案：C

　　6.明代戏曲家汤显祖的代表作之一是( )

　　A.牡丹亭

　　B.三国演义

　　C.窦娥冤

　　D.水浒

　　答案：A

　　7.我国现代小说家( )创作了<阿Q正传> <狂人日记> <祝福>等一系列反映五四前后社会现实的优秀作品。

　　A.鲁迅

　　B.巴金

　　C.茅盾

　　D.老舍

　　答案：A

　　8. <木兰诗>是我国北朝时期的一首( )

　　A.叙事诗

　　B.抒情诗

　　C.散文

　　D.五言绝句

　　答案：A

　　9.古希腊著名剧作家索福克勒斯的《俄狄浦斯王》是一部( )。

　　A.社会悲剧

　　B.性格悲剧

　　C.命运悲剧

　　D.喜剧

　　答案：C

　　10.电影艺术诞生于( )

　　A.1915年

　　B.1905年

　　C.1895年

　　D.1921年

　　答案：C

　　二、简答题

　　1.简述什么是艺术创造主体。

　　答案：

　　艺术创造主体即艺术家,是人类审美活动的体验者和实践者,也是审美精神产品的创造者和生产者。他们不但掌握专门的艺术技能与技巧,具有良好的艺术修养和突出的审美能力,而且具备独立的人格和丰富深刻的情感。

　　2.简述什么是审美想象。

　　答案：

　　审美想象是在记忆表象的基础上,经过有目的的组织和改造,创造新的艺术形象或意境的过程。审美想象是艺术家获得丰厚审美经验以及从事创造活动中最重要的因素之一。想象又分为再造性想象(知觉想象)和创造性想象,艺术家的创造活动主要依靠创造性想象。

　　3.简述什么是审美情感。

　　答案：

　　(1)情感是主体对客观现实的一种特殊的心理反应,审美情感则是审美主体对客观对象是否符合自己的审美需要所作出的一种心理反应。

　　(2)情感在创造活动中是联系感知,表象想象,联想,理解,判断等心理因素的中间环节,是推动艺术创造思维进展的内驱力。

　　(3)与人的日常情感相比,创造主体的审美情感更加丰富,深沉,细腻,是多层次,多方面的,同时具有很强的个性色彩。

　　三、论述题

　　1.联系实际论述艺术家应具备的基本的修养和能力。

　　答案：

　　(1)艺术家应具备的修养：先进的世界观和审美观;广博的知识;深速的思想;丰富的情感和独立的人格。(2)艺术家应具备的审美创造能力：敏锐的感知能力;丰富的想象力;精湛的艺术技巧。

　　2.结合艺术创造的实践论述艺术创造思维的特点。

　　答案：

　　(1) ①形象思维是艺术家在创作活动中从体验生活,到进行艺术构思、形成艺术意象,并将其物化为艺术形象或艺术意境的整个过程中所采取的一种主要的思维方式。它是以具体的,整体性的形象为思维材料所进行的复杂心理活动。 ②形象思维具有具象性,情感性,创造性等特点。形象思维的具象性是指形象思维始终以具体情感的事象或物象作为思维的材料;形象思维的情感性是指形象思维过程中渗透着丰富的审美感情色彩;形象思维的创造性是指在原有思维材料基础上促成新形象或新意境的生成。

　　(2) ①抽象思维是运用概念来进行判断,推理和论证的思维方法。② 形象思维与抽象思维在艺术家的创造活动中共同起作用,二者可以相互补充和促进。

　　(3) ①灵感是指艺术家在创造过程中的某一时间内,突然出现精神高度亢奋,思维极为活跃的特殊心理现象,呈现为远远超出平常水准的创作冲动和创作能力,艺术构思或传达通过顿悟获得飞跃。 ②灵感具有突发性,超常性,易逝性。 ③形象思维与灵感有一定联系,二者往往交互作用。

　　第五章 艺术作品

　　第一节

　　一、艺术作品的构成

　　艺术作品是指艺术创造的成果或产品,它是艺术家运用一定的物质媒介和艺术语言,通过艺术构思和艺术创造,将艺术家头脑中形成的主客体统一的审美意象物态化,创造出来的审美鉴赏的对象。从艺术作品横向的角度来看,艺术作品的构成因素可以被看作是内容与形式的统一,感性与理性的统一,再现与表现的统一。

　　1、内容与形式的统一

　　1)艺术作品的内容

　　艺术作品的内容,是指经过艺术家体验,加工和创造的人类生活,其中既包含着对客体世界的能动反映,又凝聚着艺术家对生活的感受和评价,融入艺术家的知,情,意。在具体的艺术作品中,艺术内容主要指题材,主题,人物,环境,情节等诸多要素的总和,题材和主题是艺术内容的主要要素。

　　首先,艺术作品的内容来自主客观的统一。

　　一方面,艺术作品的内容包含着对于客观社会生活的反映,另一方面,它又凝聚着艺术家的审美理想和审美情感,融会着艺术家的知,情,意,即艺术家的主观思想感情。

　　如鲁迅的小说<祝福>的内容中不仅包括“五四”前后旧中国的一个劳动妇女祥林嫂的悲惨命运始末,及以此为线索展现的当时客观社会生活的面貌,如作为社会缩影的鲁镇过年的习俗,人与人之间的尊卑贵贱和等级差别,日常生活的情节和画面等,而且也包含了作者的主观情感和思想观念,如对封建社会制度的憎恨,批判,对封建礼教的牺牲者祥林嫂的深切同情。

　　再如世界名画<蒙娜•丽莎>不仅展现出 15世纪西方新兴资产阶级妇女的温柔,优美形象,而且,通过那一双永远微笑着的眼睛和安详的神情,传达了作者的倾慕和爱悦之情。在作品中,艺术家的主观情感倾向不仅是组成作品内容的要素,而且也是区别艺术与非艺术形式的明显标志,凡•高笔下画出的<农夫的鞋>不同于商店橱窗招贴画上的鞋,前者是艺术的形象,而后者就不是艺术的形象,因为前者除了具有鞋的外在形式之外,还具有了某种精神的含义,这精神含义来源于艺术家真挚,丰富的情感,这鞋的形象己成为艺术家思想,意志,理想,情感的载体,是富有艺术表现力的形式了。

　　其次,艺术作品的内容是艺术家在意识中创造出来的,具有一种精神性的内涵。

　　欣赏者对作品内容的体验也是在意识中进行的,属于精神性的体验,它与对物质的客观现实的体验不相同。现实自然世界中从树上摘下来的红色的桃子,与以画布,色彩,线条等为物质材料画出来的艺术作品中的红色桃子相比,前者是纯物质的。作为物质对象,它所传递出来的主要是它的物质属性信息:肉香汁甜,这个信息所能引起的更多的是自然的生理欲望,而画上的那只桃子所传递出来的是精神的信息,它直接诉诸心灵,能够使欣赏者获得审美的感受,引起人对大自然的赞美或对它的喜寿象征意义的联想。

　　也就是说,艺术作品作用于人的是精神,我们常说艺术作品能够陶冶人的情操,净化人的心灵,打动人的情感等,这种精神力量就来自于作品的内容,具体地说是来自于内容中的情感与思想,即我国古代文论中所说的“情与理”。当然,精神是无形的,它必须附着于一定的物质形式,通过一定的外在艺术形式来表现。

　　第三,艺术作品的内容不是抽象的概括说明,而是题材,主题,人物,情节等因素融会而成的具体,生动完整的形象展现。

　　如当我们说<红楼梦>是“一部描写清朝末年一户封建官宦家族由盛转衰的经历以及在这一家族中演绎的各种故事”,或者说它“讲述了贾宝玉和林黛玉之间的爱情故事”的时候,虽然具有介绍作品的作用,但这种介绍再详尽也无法完整传达作品的内容,因为它无法把作品本身的具体的艺术形象呈现出来的丰富内涵表达出来。

　　要想真正了解一部艺术作品的内容,只能去欣赏作品本身。作品的内容包括题材,主题,人物,环境情节等诸多要素,其中广义的题材包括艺术作品的人物,环境,情节等,所以,也可以说,作品的内容主要由题材和主题构成。

　　题材指的是构成作品内容的基本材料,即作品中表现出来的具体的客观生活环境,情节人物和情感等,也即在小说,戏剧,影视,绘画等作品中所叙述,描绘的具体事件,人物等,用高尔基的话说“是作品中具体事件和人物的相互作用”。例如美国影片<泰坦尼克号>的题材就是片中全部的故事情节和人物活动所组成的画面。题材是艺术家对客观社会生活的提炼和概括,它来自社会生活,但又经过了艺术家的选择和加工,成为作品主题得以表现的基础。

　　题材与素材既有联系又有区别。

　　艺术素材是客观社会生活中的原型,蕴藏于广阔的社会生活之中,丰富多彩的社会生活,姿态万千的自然景物都可能引起艺术家的创作冲动,成为艺术创造的素材。素材的来源是多方面的,包括亲身经历,耳闻目睹,口头传说,书籍记载等。题材是艺术家从素材中提炼,加工而成的,素材是题材的原材料。

　　如赵树理根据他在所住小山村里耳闻目睹的真人真事加工写成了小说<小二黑结婚>,那些真人真事是生活的原始材料,赵树理对它产生了兴趣而积累了起来,这时,这些原始材料就成了素材;当他根据白己的创作意图对这些素材进行提炼,加工和改造,创作出<小二黑结婚>中的故事情节,场面,人物时,这些素材就转变为题材了。

　　素材是题材的基础,各门类艺术在创作之前都会有素材的积累这一重要环节。美术家们用速写,素描,写生照片等方式来积累形象资料,影视,小说作家们更是重视从生活中来的素材库藏,作曲家们尤其重视对民族民间的原创民歌,舞曲的积累。俄罗斯19世纪作曲家格林卡把他在乡间听到并广泛流传的两首最能反映俄罗斯人民生活本质方面的民歌——婚礼歌曲<从山后,从高高的山后>和舞蹈歌曲<卡玛林斯卡亚>作为创作素材,直接用进他所创作的<卡玛林斯卡亚>幻想曲并成为作品的主题。

　　由于对这种原始艺术资料的成功运用,使这首交响乐曲不但描绘出俄罗斯农村生活的鲜明画面,而且也准确有力地揭示了俄罗斯人民的性格特征。 从对素材的积累到对素材的取舍,加工,提炼,都体现了艺术家对客观现实生活的某种关注,倾向,体现了艺术家的审美情趣,审美理想和艺术功力。虽然题材不是制约作品价值的唯一因素,但对题材的选取和提炼是进入艺术创造的第一步,也是决定作品内容,甚至作品成败的基础。

　　主题,又叫主旨,题旨或主题思想。艺术作品的主题是指通过艺术形象所表现和揭示出来的主要思想内涵。主题中既有题材本身的意义,更有艺术家主体情思的移入,它是艺术家对于丰富生活现象的理解和思考,是艺术作品的灵魂。作为构成作品内容的重要因素,主题体现出艺术家对于生活的独特思考和认识,它来自于对题材内涵的深入发掘,开通过艺术形象的塑造和描绘体现出来。

　　主题的产生有两个基本的条件,一是作品的题材,二是作者的思想感情。

　　作品的主题是作者的主观情思与题材本身的客观意义的融合。作者在不断深入地认识,理解,分析题材的过程中逐渐形成一个明确的思想,即主题思想。在这个明确思想的“统帅”“组织”下,丰富的题材内容不再是一堆零散的生活材料的堆砌,而是具有深刻的思想内涵和艺术价值。

　　如19世纪挪威戏剧艺术家易卜生的<玩偶之家>,其鲜明的主题是反映当时的资本主义社会,在男权社会法制的制约下,资产阶级家庭生活中的男女不平等及妇女的觉醒。这个主题是易卜生对当时社会观察和思考的结果,在这一思想主导下,产生了作者对剧中题材的选择,加工和组织,形成了娜拉这一具有鲜明性格的人物和剧中的故事情节,并在剧情和人物对话等题材中融合了艺术家本人的思想倾向与主观评价,最终使主题在作品中得到具体体现。

　　艺术作品的主题呈现出多样化的特点,这与题材的差异性,艺术家主观情感,思想,审美理想等方面的不同,及对题材内涵的发掘角度等都有关系。因此,艺术作品的主题可以是政治性的,哲学性的,伦理性的,宗教性的,生活情趣及自然之美等性质的,在不同的艺术门类,样式或同一门类的不同题材的作品中,主题的体现方式也有所不同。

　　艺术一般地说,文学,戏剧,电影等叙事性艺术作品的主题比较明确,系统,而音乐,绘画,舞蹈等艺术作品的主题则较为含蓄,书法和某些工艺美术作品的主题更淡弱,有的作品则无主题,比如一些现代作品及一些单纯的图案画,追求形式美就是其主要或者惟一目的。在描写和表现自然现象或事物的作品中,题材是自然现象或事物本身,而主题则往往是它们的象征意义,或通过这些自然现象和事物的结构关系所传达出来的某种含义。

　　比如中国的文人雅士在诗,画中特别偏爱松,竹,梅,莲等题材,那是因为这些自然物都具有象征性的精神内涵——松柏的伟岸,坚强,竹的清廉,净洁,梅的孤傲不群,莲的出淤泥而不染等。在这些品格中,艺术家找到了寄托,在以这一类的自然物为题材的作品中,这些精神内容成为作品的内在的主题。

　　2)艺术作品的形式

　　艺术作品的形式,是指艺术作品内容的存在方式,亦即作品的内部联系和外部表现形态。

　　其内部联系包括内容诸要素之间的相互联系和组织方式,主要指结构;其外部表现形态呈现为表现内容的方式和手段,包括艺术语言,艺术手法,类型体裁等。

　　结构,是指艺术作品内在的组织和构造。结构的作用,是通过一定的组织方式和构造安排,将艺术作品中的各个部分结合成完美统一的整体。结构在造型艺术中主要是指构图和形体设计,在叙事艺术中主要是指情节的安排,在抒情艺术中主要是指情感节奏的安排等。结构的方法,除了根据以上各种不同种类的艺术而具有各自不同的特点外,其共同的特点是强调剪裁和布局,也就是注重题材的取舍和内容的安排。对于一个艺术作品而言,独特巧妙的结构,不但能够很好地体现作品的内容,而且本身也具有审美价值。

　　结构属于艺术的形式范畴。在总体上受到艺术内容的制约,但它对艺术作品内容的表现有着很大的作用,艺术作品的内容作为其内在诸因素的总和,不是这此因素的堆积和简单的相加,而是依赖于一定的结构方式.，按照形象和主题的要求,对人物,事件以及艺术家的思想感情等进行组合和安排,使之成为和谐统一的整体,。此外,结构这种作品的内部形式又和外部形式有着密切的关系,不同门类的艺术作品,有不同的外部形式构成因素。

　　结构的方法主要有剪裁和布局,所谓剪裁,就是根据主题的要求取舍题材,删繁就简,提炼精华。所谓布局,就是布置安排,使作品疏密相间,生动感人。剪裁和布局的手段是多种多样的,但一般都遵循以下几个原则:

　　一是按照生活事理的逻辑,事物发展的客观规律组织相应的结构形式;

　　二是紧密围绕作品的题旨,根据主题的需要进行裁剪;

　　三是符合艺术的审美规律,特别注意按照创作主体和欣赏主体的审美心理欲求去安排;

　　四是追求人工创造的新颖性,争取出新,在结构上突破已有格局,创造出自己的既符合内容要求,又能吸引人的结构形式。

　　总的说来,不论哪一种艺术样式的作品,在结构上都必须按照美的规律,处理好紧与简,虚与实,疏与密,张与弛,层次与节奏,局部与全局等关系,使整个作品达到多样统一,但是各类艺术作品,也对结构提出各自的要求。对于叙事类,戏剧类的艺术作品来说,巧妙地组织和安排情节,具有特别重要的意义。情节属于叙事和戏剧类艺术作品的内容因素,而结构属于艺术作品的形式因素,但是,如何组织和安排情节,属于情节结构问题,也就归属于作品形式构成的因素了,有人将情节与情节结构混淆起来是不对的。

　　比如,完整的情节包括开端,发展,高潮和结局,这都属于作品内容问题,但是怎样组织和安排开端,发展,高潮和结局,则属于结构问题了。组织和安排情节,必须根据艺术作品内容的实际需要。如曹禺的话剧(雷雨)以20世纪20年代初期中国社会生活为背景,深刻暴露了封建资产阶级家庭的虚伪和罪恶,成为中国话剧史上的优秀作品。这出话剧的成功与剧作结构的精美有密切的关系。

　　剧中故事的时间跨度前后长达30余年,但作者在舞台上展现的仅仅只是一昼夜时间,为了在如此短暂的时问里表现如此丰富复杂的内容,剧作家采用了回溯式的戏剧结构方法,圆满地建构了全剧的情节框架,剧本运用直叙与倒叙相结合的描写,通过往事与现实相结合的手法,把20年前周朴园与侍萍的矛盾同眼前周朴园与繁漪的冲突交织起来,一并展现在舞台上。正是由于采用了这样的结构方式,尽管全剧故事情节曲折,矛盾冲突纷繁,人物关系复杂,但结构严密,头绪清晰,显示了作者驾驭情节和组织冲突的能力。

　　从戏剧结构类型来看,<雷雨>属于“锁闭式戏剧结构”,严格遵守欧洲古典主义戏剧“三一律”的创作法则,剧本故事情节单一,剧情发生在一个地点,剧情延续时间以一昼夜为限。类似这种结构的著名话剧,还有<俄狄浦斯王><玩偶之家>等。

　　艺术体裁和艺术媒介已在“艺术种类”部分讲过,艺术语言是艺术作品形式的重要组成部分,我们将在后面“艺术作品的层次”部分做介绍。艺术手法是艺术家们在长期的艺术实践中不断创新和总结出来的一定的外部表现形式。一种新的表现手法出现以后,本身就具有相对的独立性,可以为不同思潮,不同流派的艺术家所运用,各类艺术作品的表现手法彼此使用的现象也很普遍。如“比”“兴”手法开始用于诗歌,后来扩展到小说,散文及其他一些门类的艺术。艺术手法是各式各样的,名目繁多,如我国小说中常用的反衬,烘托,拟人等。

　　这些手法运用得是否熟练,是否能创新,就艺术家来说,就有个艺术技巧问题。艺术技巧是艺术家驾驭各种艺术手法,塑造艺术形象的一种特殊本领。艺术技巧运用自如,是艺术家创作成熟的一个重要标志。艺术手法运用得当,可以突出作品的题旨,提高艺术效果;用得不恰当,则会影响到艺术作品内容的显现。如诗歌中象征手法的运用可以使抽象的思想产生一种形象感,似乎可以感触,能增强作品的感染力,但是如果随意乱用,就容易使诗义晦涩,引起观赏者的迷惑。

　　3)艺术作品的内容和形式是不可分割的整体

　　在艺术创造中,内容常常起到主导的作用,形式的选择应以是否可以适应内容的需要为原则;但同时,形式又呈现相对的独立性,它不仅可以具有独立的审美价值,而且由于形式的变化,可以直接影响和制约内容的审美价值的实现。艺术作品内容与形式和谐统一才能充分体现艺术魅力。

　　列夫• 托尔斯泰曾经讲过:“在真正的艺术作品一一诗,戏剧,图画,歌曲,交响乐里,我们不可能从一个位置上抽出一句诗,一场戏,一个图形,一小节音乐,把它放在另一个位置上,而不致损害整个作品的意义,正像我们不可能从生物的某一部位取出一个器官来放在另一个部位而不致毁灭该生物的生命一样,”可见,对于艺术作品这个有机的整体来讲,艺术内容与艺术形式实际上是不可分离的,它们共同构成了艺术的生命。

　　现代西方一些文艺理论家们,更是把内容与形式完全看成一回事,甚至反对从理论上把艺术作品的构成因素划分为内容与形式两部分。其实,对于艺术作品本身来讲,作为一个有机的整体,确实不能将它机械地分割为两个部分,我们可以从理论上对艺术作品进行内容与形式两类构成要素的区分,并对它们逐一加以研究和分析,但并不是说在具体的艺术作品中内容与形式是可以分开来的。

　　事实上,在具体的艺术作品中,内容与形式是不可分离的有机统一体的两个方面,内容是有肜式的内容,形式是有内容的形式,内容与形式两者都以对方的存在而存在,不存在只有内容而无形式的艺术作品,因为任何一部艺术作品的内容都不是抽象地存在,而是要凭借一定的物质材料组成的感性形象才能得以表现并诉诸我们的感官的。同样,也不存在只有形式而无内容的艺术作品,因为艺术的价值在于它们体现了某种精神性的内涵,艺术形式必须是浸透了内容“汁液”的形式。

　　在艺术创造中,一方面,内容常常起到主导作用,形式的选择应以是否适应内容的需要为原则。如制作影片先安拍摄大景镜头,拍好后再按照一定结构形式进行剪辑。电影史上有过这样的试验,有三个镜头:A.一个人在笑。B.手枪直指。C.同一个人惊恐的脸。如按这个顺序组接镜头,表现了这个人的怯懦。但如果A,C颠倒,则表现了这个人的勇敢。究竟如何组接镜头?那就必须根据内容的需要。由此可见,形式的选择要适应内容的需要。

　　再如小提琴协奏曲<梁山伯与祝英台>,是按矛盾发展的顺序安排情节结构的。作品根据民间故事中的“草桥结拜”“英台抗婚”“坟前化蝶”的情节发展顺序,相应地用全章三个乐段——呈示部,展开部,再现部,有力地表现出梁山伯与祝英台生死不渝的爱情主题,创造出了一个生动而完整的艺术世界。

　　而日本影片<人证>,则是将结局放在开头,然后揭示这种局面产生的过程;它先交代焦尼被杀,然后使焦尼被杀,警官破案贯穿整个影片,直到影片末尾,才通过八杉恭子的回忆说明了焦尼被杀的经过,揭示凶手是谁。如果影片不采取这种倒叙式蒙太奇结构情节,而采取顺叙式蒙太奇,让观众一开始就知道了焦尼被杀的经过,势必造成情节的平铺直叙,看起来也就没味道了。

　　内容对形式的主导和决定作用,还表现在艺术形式总是随着内容的发展变化而发展变化。随着社会生活的变化,艺术作品的内容与形式也在变化。内容与形式相比较,内容的变化先于形式,内容变化了,才引起形式的相应变化,如近几十年来,新型建筑材料的出现,房屋设备的进步,科学技术的发展,引起建筑设计思想的巨大变化。怎样增强建筑的灵活性和可变性,是西方“高度技术派"这一建筑流派冥思苦想的课题。

　　1977年将名的巴黎蓬皮杜文化艺术中心的落成,标志这个新形式创造的完成。它的主体有六层,里面包括公共参考图书馆,工业创造中心,国家现代艺术博物馆和音乐___声学协调研究所等四大部分。大楼的钢架,钢柱都暴露在外,甚至水管,下水道,电缆等也都挂在临街的立面上,大楼内的各种管道也都暴露无遗。外形像一座石油化工厂,内部景象似车间,布局和形象十分奇特。这样的建筑形式，是为了使内部楼层没有阻挡,可随时改变用途,图书馆可以扩大缩小,展览馆可以调整更换。 显然,它是为了适应灵活多变的内容需要而采用的。

　　我国“五四”以后文学形式的转变,也说明了艺术形式随内容的变化而变化的规律。“五四”时期,由于新文化运动和人民大众彻底的反帝反封建斗争的开展,使得文学内容发生了很大变化。内容变化了,旧的文学形式已经不能很好地表现革命的思想内容了,于是也发生了变革,这种变革首先表现在形式因素的变化上。文言逐渐变成了白话,旧体诗词变为自由诗,章回体小说变为新小说,出现了杂文等新体裁作品等。

　　另一方面,艺术形式又呈现相对的独立性,它不仅可以具有独立的审美价值,而且由于形式的变化,可以直接影响和制约内容的审美价值的实现,艺术形式一旦成为内容的依托,成为艺术作品的“躯体”之后,便具有了相对的独立性,这种相对独立性可以从外部形式和内部形式两个方面理解。

　　从外部形式来看,任何艺术作品,都是艺术家使用一定的物质材料,按照特定的方式加以处理而形成的有一定结构的具体对象。它是可供审美观照的客观存在物,它直接诉诸人的感官,形成人们的知觉,并引起想象,在人们头脑中出现直观的形象。这种直观形象出现的原因,在于艺术形式的直观性。形式直观性显示的具体形态,固然要受到内容的制约,但其本身也具有独立的审美价值,这是在人类长期的社会实践和文化发展过程中,形式与人类一定的生理__心理结构相互作用的结果。

　　如红色蕴涵着一种热烈的情感意味,声音的某种有规律的运动会引起相应的情感反应等。它们作为艺术形式因素,逐渐具有了相对稳定性。当这些因素被进一步组织起来,形成复杂的复合体,并在社会文化发展过程中反复出现时,就会显示出一定的含义。 例如,中国戏曲中的脸谱,唱腔,舞姿等,都有特定的艺术含义和韵味。形式的这种稳定性,使艺术作品的深层内涵受到制约,内容完全融人形式之中,甚至造成人们鉴赏艺术作品,仿佛就是鉴赏作品形式的感受,从内部形式来看,艺术家的创作过程,是内容由潜在到现实的转化过程。

　　内容总是要通过某种内部结构,并与外部样式融合起来,成为具体可感的东西,才可能为人们所把握。就作品内部构造来说,作品内容只存在于内容诸因素之间特定的结构关系之中,内容诸因素的个性特征将受到它们相互联系以及作品整体关系的制约。也就是说,正是作品的内部形式才使作品内容成为它存在的那个样子,内部形式成了人们直观接触的对象。 前面讲过,艺术作品的创造是个复杂的精神劳动过程,一般包括艺术感受,艺术构思和艺术传达等阶段,艺术家要在这个过程中使构思明确,充实,并通过对媒介材料的处理,达到创作意图的实现。

　　艺术作品向观赏者展示出了艺术家结构内容的能力,处理媒介材料的能力以及建立崭新的整体形象的能力。艺术作品的内部与外部形式的和谐统一,构成作品的整体形式,这个形式成为内容的存在方式,成为人们审美观照的直接对象。前面提到,一定的内容总是要求同与它相适应的形式来表现,因此,艺术家总是依据内容去选择恰当的形式。 对形式之所以要“选择",是因为形式直接影响内容,对内容具有反作用。

　　艺术形式对艺术内容的反作用主要表现在:

　　完美的适合于内容的形式,能将内容充分地表现出来,增强作品的艺术感染力;

　　粗糙的,低劣的不适于内容的形式,会妨碍内容的表达,减弱甚至毁坏作品的艺术感染力。

　　2、感性与理性的统一

　　在艺术作品中,感性更多地是指隐含于作品之中的情感因素,以及寄寓在形式之中的感性特色,而理性则是指通过作品的形象,意境及形式所凸显出的理性内涵。艺术作品是感性与理性的统一。一方面,艺术作品表现为感性形式与理性的统一;另一方面,艺术作品还表现为情感因素与理性精神的统一。

　　首先,艺术作品是感性形式与理性内涵的辩证统一。艺术作品呈现给人们的,总是具体可感的艺术形象,具有明显的感性特征,但是,在艺术作品的感性形式中又蕴涵着深刻的理性内容。如现代女子群舞<小溪 •江河•大海>巧妙地运用和发展了中国古典舞蹈的动作,表现出深邃的意境。作品通过24位身穿白纱裙的少女在黑色衬幕的烘托下所表演的种种队形和步法(感性形式),体现出滴滴水珠汇聚成潺潺小溪,条条小溪汇聚成滔滔江河,最终流人大海的哲理性内容(理性内涵),这个舞蹈优美的动作和深邃的意境给人以美的享受。

　　再如唐代柳宗元的<江雪>诗:“千山鸟飞绝,万径人踪灭。孤舟蓑笠翁,独钓寒江雪。”诗人用寥寥二十个字,描绘出生动可感的艺术形象:群山,小径,寒江,白雪,孤舟上坐着一位头戴斗笠,身披蓑衣,手持钓竿的老翁,这是茫茫雪景中的一幅生动画面。然而,这幅画面中还有更加丰富的诗情画意,在万籁俱寂的雪海中,老渔翁清高孤傲,敢于抗争的性格似乎跃然纸上,如在眼前。联想到柳宗元写此诗时正遭贬谪,就可以看出诗人是借景抒情,寓情于景,以此来抒发自己压抑苦闷的情感和倔强不屈的性格。由于感性与理性的有机统一,这首五言绝句成为流传千古的佳作。

　　其次,这种感性与理性的统一表现为艺术作品中情感因素与理性精神的统一。情感因素在艺术中有着十分重要的地位,列夫托尔斯泰认为艺术是传达情感的工具,他说:“作者体验过的感情传染了观众或听众,这就是艺术。” 别林斯基更强调:“没有情感就没有诗人,也就没有诗。”我国古代的<乐论>认为音乐来自于情感,“情动于中,故形于声”。这样的论述,中外古今不胜枚举。

　　但是,虽然情感性在艺术作品中有着十分重要的地位和作用,它仍然不能脱离思想理智,只有将情感渗透在理性精神里,理性精神融合在情感中,这样的艺术作品才真正具有感人的魅力艺术作品中情感因素与理性精神的统一,尽管在不同作品中的具体表现形态并不一样,但却是一切艺术作品都具有的。

　　一方面,艺术中的情感往在是融会了理性精神的情感;另一方面,艺术中的理性精神也必须寓于题材和形象之中,力求取得震撼人心的情感力量。如贝多芬的<热情奏鸣曲>最大的特点是火一样的情感,评论家们把它比作“火山的爆发”“火山般的奏鸣曲”等等。这首奏鸣曲所表达的热烈奔放的情感,具有震撼心灵的巨大力量。与此同时,这首乐曲又通过完美的艺术形式,表达了成熟时期贝多芬的理性精神,使得这首奏鸣曲所表现的悲剧性之深刻,矛盾冲突之激烈,斗争精神之顽强,都是在同类体裁的作品中罕见的,成为钢琴奏鸣曲中的一部经典性作品。

　　据高尔基回忆,列宁在听了贝多芬的<热情奏鸣曲>之后曾说:“我不知道还有比<热情奏鸣曲>更好的东西，我愿每天都听一听。这是绝妙的,人间所没有的音乐。我总带着也许是幼稚的夸耀想:人们能够创造怎样的奇迹啊!"

　　艺术作品中情感因素与理性精神的统一,常常体现为理性规范并引导着情感的趋向,北宋文学家范仲淹的散文名篇<岳阳楼记>写出了人们在“春和景明”与“霪雨菲菲”两种不同的天气条件下,登临岳阳楼时,触景生情,所产生的不同心境和感情。然后,作者又用“不以物喜,不以己悲”的高尚情怀,来否定迁客骚人的这种“览物之情”，引出全文的中心思想,即“先天下之忧而忧,后天下之乐而乐”,范仲淹这篇脍炙人口的作品,正是通过诗一股的语言,来表达诚挚真切的情感和寓意深刻的思想,处处体现出以理性来引导情感的特点,成为我国古代散文中的一篇佳作。

　　3、再现与表现的统一

　　再现与表现的统一,也是艺术作品的基本构成因素艺术创造作为一种特殊的精神生产,离不开客观现实,也离不开主观创造,是客观因素与主观因素的统一。因此,艺术作品包含着客观的再现和主观的表现两个方面因索,是内者的统一。

　　① 再现

　　再现是指在艺术创造中将客体世界及人物真实地呈现于作品之中。如<红楼梦>,再现了清朝末年封建大家族及其整个时代环境的客观社会生活等。

　　②表现

　　表现是指在艺术创造中重在表达主体的情感和理想,以及主体对客体世界的思考和评判。<红楼梦>中不仅对客观世界进行了生动再现,同时也表达了作者曹雪芹对清末社会现实和<红楼梦>中再现的各种典型人物命运的深刻思考与评判,以及作者的情感与理想。他在作品中对以大观园为代表的“有情世界”倾注了深切的问情,表达了他的人生理想;同时,又通过大观园这个“有情世界”与外部环境一一即整个无情的封建社会的尖锐对立,及其最后毁灭,表达了作者对人生理想无法实现的无奈与悲愤。

　　③再现与表现的关系

　　再现和表现从来都是紧密联系的,再现性艺术作品同样需要融入主体的情感和理想;表现性作品虽然所表达的主要是心理和情感的真实,但也具有再现性。例如<万里长城>这幅摄影作品,侧重于真实地再现蜿蜒起伏的古老长城,群山绵延,长城蜿蜒,使人如临其境。但这幅摄影作品又不是对自然景物纯客观的记录,而是在自然风光中寄寓着摄影家对祖国和民族的一片深情,表达了摄影家强烈的民族自豪感。寓情于景是优秀摄影作品的重要特征之一。

　　音乐本来是最擅长表现的,但是,音乐也并不是与再现无关。 例如,著名的琵琶古曲<十面埋伏>由十个乐段组成,它们是:列营,吹打,点将,排阵,走队,埋伏,鸡鸣山小战,九里山大战,项王败阵,乌江自刎,通过旋律,节奏,音响的变化,表现了楚汉相争时,刘邦用十面埋伏之计大败项羽的激烈战斗的全过程。同时,它也是对当年楚汉垓下之战从战前准备,作战情况到战争结局场面的间接再现,只不过需要听众通过联想和想象来感受。

　　总之,从艺术作品的构成来看,内容与形式,感性与理性,再现与表现的统一,使艺术世界充满了神奇的魅力,使艺术作品复杂多样,纷繁多彩,使每一部艺术作品都如同一个丰富多彩的大千世界。

　　第二节

　　二、艺术作品的层次

　　艺术作品几乎都可以被看作是由三个层次组合而成的。

　　第一层是艺术语言,它是作品外在的形式结构,是由声音,形体,画面,色彩,线条及语言文字等所构成的层次。语言是人类最基本的交际工具,在人际交往中人们主要通过语言表情达意;艺术语言是一种比喻的说法,指的是艺术作品的物质表现手段,在艺术作品中起到类似语言的表情达意作用。

　　第二层是艺术形象,它是作品通过艺术语言所表现出来的物态化形式,是艺术家的审美意象的外在表现形式,不同的艺术作品可以分别具有视觉形象,听觉形象,文学形象等。

　　第三层是艺术意蕴,优秀的艺术作品往往具有巨大的普遍性和深刻的思想性,具有象征和寓意,哲理或诗情,这是深藏在艺术作品中的精神内涵层次。我们在欣赏一件艺术作品时,经常是既欣赏它完美的艺术语言,又欣赏它动人的艺术形象,还欣赏它深刻的艺术意蕴。

　　1、艺术语言

　　1)什么是艺术语言

　　艺术语言是创造主体在特定艺术种类的创造活动中,运用独特的物质材料和媒介,按照审美法则,进行艺术表现的手段和方式。

　　我们通常用语言作为相互交流信息,表达思想感情的交际工具和思维工具,为了加强口头语言的交际工具职能和思维工具职能,人类又创造了记录语言的工具一一文字;同样,人类为了表达丰富情感与思想艺术的需要,还创造出了一种特殊的语言——艺术语言。简单说,艺术语言是指一种艺术所使用的独特的表现方式和手段,像语言由语言符号和语法规则构成一样,艺术语言也包括艺术符号,艺术符号的组合方式与规则等。

　　各门艺术都有自己独特的艺术语言,例如,建筑艺术的语言包括“面”和“体”,构成建筑物的许多形状,大小,材质不同的体和面是建筑语言符号,这些体和面就如同组成语言的单词符号一样,根据形式美和建筑的一般法则进行不同的组合,产生不同的建筑艺术作品,体现不同的建筑造型形象。同样的道理,绘画语言包括线条,色彩,构图及其组合规律等,音乐语言包括旋律.和声,节奏及其组合规则等,电影语言包括画面,声音,蒙太奇及其组合方式等。

　　艺术语言具有两个最基本的功能:其一是塑造艺术形象,传达艺术内容;其二是创造形式美,具有直接作用于人的感官的审美功能。

　　人们在艺术鉴赏活动中,不但欣赏它们所创造出来的艺术形象,同时也欣赏经过精心构思,富有创造性的艺术语言。例如,当我们在欣赏法国19世纪著名印象派画家莫奈的代表作品(青蛙塘)的时候,首先注意到的就是它与众不同的线条,色彩和构图。在这幅典型的印象派风格绘画作品中,莫奈特意使用了富有节奏感的笔触来表现水面上光的波纹,这种笔触所表现出来的光的波动,突出地给人以波光闪耀的感觉。

　　此外,这幅作品在构图上也很有特点,画家把水中的游艇精心设计成一种放射的形状,加上一座小桥向画面外延伸的线条,使人感觉到画面虽小,但这个水上游乐园的面积似乎很宽广。正是这种独特的线条,色彩和构图,正是这种精心构思,具有独创性的艺术语言,使这幅作品成为世界名画之一。可见,人们在欣赏艺术作品时,首先诉诸欣赏者感官的就是线条,色彩 ,构图.,声音,画面 ,语言文字等艺术语言,它们是人们感受艺术美的直接对象,从这个意义上来讲,艺术语言本身也具有独立的审美意义。

　　当然,艺术语言更重要的作用还是创造艺术形象。前面我们讲过,艺术创造是艺术家把自己头脑中所形成的审美意象,通过一定的物质媒介和艺术手段物态化为艺术形象,成为可供欣赏的艺术作品。这里所讲的“艺术手段”就是指艺术语言,正是艺术语言,使艺术家头脑中的审美意象物态化为艺术形象。艺术语言的运用,对创造艺术形象起着直接的作用。

　　拿电影语言来说,电影镜头画面是电影语言的基本元素,不同的镜头画面可以创造出不问的

　　艺术形象。

　　特写镜头,是用来突出或强调人物和事件的细部,如一双眼睛,一个枪口等。影片<人到中年>里就有许多陆文婷眼睛的特写镜头,用来表现人物复杂的内心活动。

　　近景,仿佛是一种肖像描写,用来表现人物的容貌,动作,表情,神态等,影片<李双双>中,喜旺当选为记工员后,连续四个近景镜头,拍摄了喜旺与双双夫妻间既矛盾又恩爱的感情活动。

　　远景镜头,可以将人物和环境融为一体,借景抒情,寓情于景,如影片<林则徐>中,林则徐在江边送别故人的镜头,此外,还有变焦距镜头,长镜头,仰拍镜头,俯拍镜头,主观镜头等,都可以根据不同的艺术构思创造出不同的艺术形象。

　　艺术家正是通过艺术语言,塑造出各种各样的艺术形象,来表达自己对生活的独特体验和感受,将这些体验和感受传达给读者,听众和观众。

　　由于艺术语言在艺术作品中具有如此重要的作用,所以各门艺术都十分重视对艺术语言的研究和运用,中国画十分重视笔墨的作用,中国画丰富的用墨技巧使得墨色似乎能替代一切颜色,用墨可以绘制山水草木,花鸟人物等世间万物。这是因为中国画的墨色中,实际上具有非常丰富而又十分细微的变化,传统画论中讲到“墨分五彩”,就是讲墨具有焦,浓,重,淡,清五种不同的色度,这些变化使墨色具有了丰富的色彩感,给人以不同的审美感受。

　　例如齐白石的<虾>主要运用淡墨,层次多变,富有透明感,生动地表现出虾在水中浮游的动势,以及虾外硬内柔,透明如玉的身躯。这幅画之所以能达到这样高的艺术水平,除了齐白石长期观察虾的生活习性以外,也与他对国曲艺术语言的熟练运用分不开。他曾仔细钻研过笔墨纸张如何才能适应画虾的要求,甚至专门试验过利用不同含水量的笔墨在宣纸上渗化的特殊效果,来表现虾体的透明感,因而,齐白石所画的虾享誉中外,具有独特的艺术魅力。

　　中国画的技法非常丰富,在技法上,有钩,勒,皴,点等笔法,又有烘,染,破,积等墨法,还有工笔,写意,白描等传统画法。正是这些异常丰富的绘画语言,使中国画多姿多彩,以自己独具的艺术特色屹立于世界美术之林。不仅美术重视艺术语言,音乐,舞蹈,电影,电视.戏剧,建筑等各门艺术,也都非常重视艺术语言的掌握和运用。

　　2)艺术语言的种类

　　艺术语言是各门类艺术创造的媒介和形式的总称,艺术语言又可具体划分为文学语言,音乐语言,绘画语言和视听语言等。

　　各种门类的艺术语言都要通过材料和工具表现为一定的物质媒介形式。当艺术主体产生创造的欲望,欲将审美体验构思成艺术意象并传达成艺术形象时,他首先要确定自己将要以何种物质形态为媒介,以及采用何种艺术表现手段。不同的艺术表现形式均与一定的物质媒介相关联,要受到物质形态的制约和影响。要进行绘画创作,首先要考虑使用何种绘面材料,以及使用什么种类的笔或刮刀等;要从事雕塑创作,首先要确定使用什么雕塑材料,是石料,木质或是其他,同时又应确定与该种材料相适应的工具。

　　不仅在相异的艺术种类中,材料迥然不同,即使在同类或相近的艺术种类中,材料的性质和质地也会有很大的差别。比如绘画,绘画的底子和颜料是其主要的材料媒介。依据绘画种类的不同,其底子的质地和颜料的品类也各不相同。油画一般以亚麻布,木板,硬纸为底子,以油质颜料为主要颜料,亚麻布的纹理在涂以颜料以后仍很分明,本身就有特定的审美价值。而油质颜料既富有光泽感,对比度,义覆盖力强,因而具有很强的表现力。

　　中国画的底子有宣纸和绢等,特别以宣纸为主。宣纸精致细密,易渗水墨,使笔墨和色彩浓淡相宜,富有变化。中国画的颜料则以墨为主,辅以矿物或植物制成的有色颜料。墨的使用可以通过用墨的浓淡变化,表现大千世界的姿态,其含蓄,隽永的风格渗透其间。雕塑材料本身的审关特性也很重要,雕塑材料质地不同,美感效果也不同, 比如同是石料,花岗石表层粗硕,质地坚硬,适于表现雄浑博大,粗犷坚毅的气势;而大理石表面光洁,晶莹温润,吏适宜于展现优美的情调以及雍容华贵的气派。

　　在音乐方面,各种材质制作而成的乐器,既表现为材料媒介,同时也有工具媒介的特性。舞蹈,戏剧,影视等综合性较强的艺术种类,其材料媒介的使用体现出多样,复杂的状况。以电子技术的使用为重要特征的各种艺术,其材料和工具的复杂性更加突出,在艺术创造中的作用和地位也更加显著。

　　艺术语言是丰富多彩的,各类艺术都有白己独特的艺术语言。人们可以从多方面对艺术语言进行研究,这里把艺术语言分为文学语言,纯艺术语言和综合性语言三种。

　　3)艺术语言的多样性与丰富性

　　艺术语言具有多样性和丰富性,并在艺术发展中不断变化和革新。

　　艺术语言具有多样性和丰富性,不仅每一种艺术都有自己独特的艺术语言,也不仅每一种艺术的艺术语言都丰富多样,而且各门艺术的艺术语言都在发展中不断变革。由于艺术语言不但可以创造艺术形象,面且自身也具有审美价值,所以,各门艺术的艺术家们都致力于艺术语言的创新与探索 从这种意义上讲,艺术的创新也必然包括艺术语言的创新。

　　电影为例,20世纪70年代以来,现代电影在电影语言上有了显著的变革和创新,综合运动镜头(包括推,拉,摇,移,跟镜头和俯仰拍摄等),快速摄影,变焦距镜头,跳接,定格等电影语言广为流行。除了艺术家们的不断探索与创新外,艺术语言的发展同科技进步也有密切的关系。以音乐为例,电子音乐的出现扩大和丰富了音乐的表现手段。

　　从广义上来讲,电子音乐包括电声乐器音乐,电子合成器音乐等。从狭义上来讲,电子音乐主要是指电子合成器音乐。这是一种在传统乐器和人声的范围之外,运用现代电子技术手段来探索新的音响的音乐,它在音质和音色的表现功能上都扩大了传统音乐的领域,做到了音乐语言的创新。早在20世纪20年代,一些 作曲家因不满足传统的音响形式,就开始探索新的音响素材,电子技术的发展为音乐家们对新的音响的追求提供了物质基础,到了60年代前后,电子合成器开始推广使用,欧美许多国家的电台和高等院校纷纷建立实验室,不断探索创造各类电声音响的电子音乐。

　　由于电子音乐既可以采用传统音响作为素材,又可以直接产生各种音响,而且能够自动控制音高,音量,音色,滤波,混响以及音乐的反复等,大大提高了音乐语言的表现能力和表现领域。后来出现的电脑音乐(即电子计算机音乐),更是将现代电子计算机技术用来制造音响,甚至作曲等等。同时,艺术语言是渗透了艺术家独特个性的特殊语言,艺术家应在创作活动中不断锤炼语言,追求艺术形式与表现手段的创新。

　　艺术语言作为直接作用于人们的感官的审美形式,需要具有震撼人心的感染力和新颖独特的吸引力。形成具有独特个性的艺术语言风格,是艺术家成熟的重要标志之一;凡是成功的艺术作品,都有其独特的艺术语言。例如,孙犁是我国著名的作家,他的艺术语言的鲜明特色是朴实自然,善用白描写实,他的代表作品之一<荷花淀>以其清新自然的叙述语言,质朴生动的景物描写,生活化的人物语言,给人留下了深刻印象和沁人心脾的自然美感。

　　画家罗中立的油画<父亲>,在现实主义手法基础上,采用了极度写实的油画造型语言。正是这种独特的艺术语言,使得他塑造的艺术形象产生了强烈的感染力,(父亲)中的艺术形象成为我国农村千万父亲的典型形象,他的黝黑的老树皮一样的皮肤,深刻的皱纹,由于干渴而微启的嘴唇里仅存的牙齿,额头上沁出的点滴汗水,顺着暴鼓的青筋流淌汇集成的颗颗汗珠和由于长期磨损而变形变色的指甲,受伤的手指,粗瓷劣质的大碗,对襟布褂,等等,这些细致入微的色彩和造型语言,不仅呈现了一个活生生的人物形象,而且传达了艺术家充满同情的目光,倾诉了无比丰富的情感和思想内容。

　　在艺术鉴赏活动中,经过精心构思的,富有创造性的艺术语言具有重要的审美价值。因此,艺术家应在创造活动中不断锤炼语言,迫求艺术形式与表现手段的创新。艺术语言的锤炼和创新要从内容的表现需要出发,要在社会和艺术实践的基础上进行。例如画家傅抱石在新中国成立后遍游祖国南北各地,1961年曾到过东北镜泊湖和长白山天池游览。由于广泛接触新的现实生活,他不仅在思想感情上受到启发,在笔墨技法上也有了新的发展。

　　他曾说:“几次深入生活都给人以新的体会和启发,这就推动了我思想上的尖锐斗争,对自己多年拿手的‘看家本钱’(指笔墨技法)产生了动摇。由于时代变了,生活感情也跟着变了,通过新的生活感受,不能不要求在原有笔墨技法的基础上,大胆赋以新的生命,大胆寻找补充新的形式技法,使我们的笔墨能够有力地表达对新的时代,新的生活的歌颂与热爱。”在国画<镜泊湖>中,他突破了自己以往的笔法和墨法,以全新的艺术语言表达了对祖国山河和新时代精神的热情歌颂之情。

　　2、艺术形象

　　1)什么是艺术形象?

　　艺术形象是艺术反映人类生活的特殊方式,是通过审美主体与审美客体的相互交融,由主体创造出来的艺术成果。艺术形象既包括鲜明生动的人物,也包括其他富有审美特征的情境,意象和意境。

　　从艺术作品的构成层次来看,人们在欣赏艺术品时,首先接触到的自然是色彩,线条,声音,文字,画面等外部特征,但它们仅仅是艺术表现的手段,艺术语言和表现手法是为了塑造艺术形象。 或者换句话讲,艺术语言和表现手法的主要作用,是将艺术家头脑中主客观统一的审美意象物态化为艺术作品中的艺术形象。

　　艺术作品中的形象是根据现实生活各种现象加以艺术概括创造出来的具体生动的图画。这里所说的形象一般是指人物和人物生活的环境,包括与人的生活有密切关系的日月星辰,风云雷电,河海山林,鸟兽鱼虫,花草瓜果等自然物。在小说,戏剧,电影,叙事诗,歌剧,舞剧等叙事性作品里，人物形象占据主要的地位,成为作品整个艺术形象体系的核心,艺术家总是通过人与人以及人与环境的关系来描写人物形象,不仅描写人物的音容笑貌,还要刻画人物的性格特征,通过这此描写刻画,揭示人物的精神世界。

　　叙事性的艺术作品除了重视人物形象的塑造外,同时也注意描写其他的社会现象和自然物的形象。因为人在社会生活中不是一个孤立的存在,他总是要在一定的社会环境和自然环境中生活和斗争的。艺术要塑造人物形象,就离不开对环境的描写。

　　艺术形象不仅是人物形象。在某些艺术作品中,并不一定出现人物形象,只是出现山水花鸟等景象,事物,有时甚至直接呈现人的心理图式。 不管在作品中出现的具体形象是人是物,同样都是表达艺术家自己对某种现实生活的感受,思想,情趣等等。“借景抒情”,抒发的是艺术家自己这个特定的人的思想感情。

　　宋代爱国诗人陆游的<卜算子•咏梅>和毛泽东“反其意而用之”填写的<卜算子.咏梅>,同样是咏梅,陆游是借梅花抒发他遭受投降派打击后无可奈何的幽愤和伤感以及孤芳自赏的心情,而毛泽东则是通过对梅花的高尚风格的赞颂,展示了作为一代领袖的广阔胸怀。

　　画家李苦禅在粉碎“四人帮”以后创作的一幅国画<怒放图>,画的也是梅花,但我们从画面上感受到的绝不仅仅是一枝梅花而已,画家是透过那繁茂的红梅抒发了自己从十年内乱中解放出来,对祖国未来充满希望的无比欢欣的心情。 在这里,诗人和画家咏颂,描绘的梅花不只是梅花形象,还蕴涵着艺术家创造的情境和意境。

　　2)艺术形象的特征

　　艺术形象是个性与共性的统一,感性与理性的统一,思想与情感的统一。

　　艺术形象不是生活形象和客观事物形象的简单再现,不是将客观形象照搬到艺术作品中,它是艺术家对客观事物进行能动反映形成的审美意象的表现。艺术家在构思艺术形象的过程中,往往通过联想,想象等思维方法,整合审美经验中的多个意象和多种审美体验,在头脑中创造一个新的艺术形象。

　　这个形象来源于客观生活,但又不是客观生活中的任何一个,它是经过艺术家选择,提炼,加工之后创造的一个新形象,它具有鲜明的、不同于现实生活中的任何一个人物或客观事物的个性特征,同时又具有一类人物或客观事物的共性特征,以至于人们能够从这个艺术形象中看到白己熟悉的人物或客观事物的影子。

　　这个形象是活生生的感性形象,同时又是具有一定理性意味的形象,人们能够感觉到艺术形象的具体生动的外貌,以及人物形象的言谈举止和性格特征的真实感,同时又能感觉到这个形象的呈现不是偶然的,无序的,而是按照一定的理性形式呈现出来的,表达了一定理性意义的形象;这个形象是客观事物与艺术家主观情感相融合而产生的,其中寄予了艺术家的主观评价和爱憎等情感。

　　当然,在不同的艺术形象中,个性与共性,感性与理性,思想与情感的成分不完全相同,艺术形象的呈现方式也不同。根据艺术形象的感性形式差异,我们可以把艺术形象分为视觉形象,听觉形象,文学形象与综合形象。 它们既有共性,又有各自的特性。

　　视觉形象,是指由人的眼睛直接感受到的艺术形象。 视觉形象的构成材料都是空间性的,例如,一幅画作,一件雕塑,一幅书法作品,一座建筑物,一幅摄影作品,或者一件实用工艺品,这些艺术作品中的形象都是视觉形象。艺术的视觉形象直接作用于欣赏者的视觉感官,因而富有很强的直观性和生动性。

　　这类艺术形象常常带有明显的再现性,如摄影艺术最重要的美学特征之一便是纪实性或再现性,它表现的总是客观存在的事物,摄取的影像与被摄对象的外貌形态几乎完全一致,给人以逼真的感觉。 当然,作为艺术形象的一个种类,视觉形象同样凝聚着艺术家的思想感情,拿摄影艺术来讲,它除了纪实性之外,同样具有创造性,在作品中表现出摄影家的主观情感,具有独特的形式美。

　　听觉形象,是指由人的耳朵直接感受到的艺术形象,听觉形象的构成材料是时间性的。

　　艺术中的听觉形象主要是指音乐作品的形象。音乐作为声音的艺术,有着自己的特点。它通过音响在时间上的流动,再通过有规律的变化与组合,最后构成使人们的听觉感官能够直接感受到的艺术形象。 由于听觉形象具有空灵性和抽象性的特点,使得人们在欣赏音乐作品时,主要依靠情感的直观体验来把握音乐形象,也使得音乐形象具有不确定性,多义性和朦胧性。这既是音乐的局限,也是音乐的长处,为欣赏者的联想想象与情感体验留下了更多自由的空间。

　　例如肖邦著名的钢琴曲<一分钟圆舞曲>,据说是描写一只爱咬着自己的尾巴急速打转玩要的小狗,但它所包含的音乐形象十分丰富。它不仅具有小狗嬉戏的外在形象,而且还包含着温柔文雅的内在表情,圆舞曲的中间部分清新爽朗,沁人心脾,人们认为这恰恰是肖邦音乐的独到之处,就是在简练的音乐中表现丰富细腻的内容;其实,这也是音乐形象共有的特点。

　　文学形象,是指诗歌,散文,小说,报告文学等依靠语言作为媒介来塑造的形象。文学形象最鲜明的特征是间接性,它不像视觉形象或听觉形象那样可以看得见,听得着,直接感受到,而是要通过语言的引导,凭借想象来把握艺术形象。有的学者称语言艺术是“想象的艺术”,这是有一定道理的。在阅读作品的过程中,读者需要凭借自身的生活经验,通过积极的联想和想象,才会在脑海中呈现出活生生的形象画面来,这就是文学形象的间接性。

　　例如(红楼梦)中的林黛下这个人物,在越剧舞台上,电影银幕上和电视连续剧里都有不同的演员饰演过。在戏曲,电影和电视中的林黛玉形象是观众直接看见的，但小说(红楼梦)中林黛玉的形象,在一千个读者心目中,却可能有一千个不同的样子。从这个意义上讲,文学形象为读者提供了更加广阔的想象天地,读者可以在欣赏过程中更加自由地进行再创造,获得更多的审美快感。

　　此外,文学作品不仅可以描绘视觉形象,听觉形象,而且可以描绘人的嗅觉触觉,味觉等各种感觉;不仅可以描绘静态形象,而且可以描绘动态形象;在人物形象塑造方面,不仅可以从外部描写人的肖像,动作和语言,而且可以描写人的内心世界和心理活动 。文学形象由于具有以上的特点,所以它最少受到时间和空间的限制,具有最大的自由,可以多方面地展示广阔而复杂的社会生活。

　　综合形象,是指话剧,戏曲,电影,电视等综合艺术的形象,其中既有视觉形象,听觉形象,还有文学形象。它们综合成为一个有机的整体,因此,这些门类中的艺术形象,可以统称为综合形象。

　　艺术形象虽然可以区分为视觉形象,听觉形象,文学形象和综合形象,但它们的基本特征却是相同的。作为艺术反映生活的基本形式,艺术形象是艺术作品的核心。在艺术作品中,艺术语言是为了塑造艺术形象,而艺术意蕴也是蕴藏在艺术形象之中。从这种意义上讲,没有艺术形象就没有艺术作品。

　　艺术形象不仅具有具体可感的形象性,而且具有概括性,它把广泛的生活内容概括在形象之中。艺术形象又具有情感性和思想性,在艺术形象中融进了艺术家爱憎悲欢的情感,处处渗透着作者对生活的思考和评价。艺术形象还具有审美意义,它凝聚着艺术家的审美理想和审美情趣,闪耀着艺术创造的光辉,能给欣赏者以美的享受。

　　3、艺术意蕴

　　艺术意蕴是指在艺术作品中蕴涵的深层的人生哲理或精神内涵。 艺术意蕴具有多义性,不确定性和深刻性。艺术意蕴是衡量艺术作品境界高下的重要尺度。

　　黑格尔曾经讲过:“意蕴是总比直接显现的形象更为深远的一种东西，艺术作品应该具有意蕴。”他又说:“遇到一件艺术作品,我们首先见到的是它直接星现给我们的东西,然后再追究它的意蕴或内容。前一个因素一一即外在的因素一一对于我们之所以有价值,并非由于它所直接呈现的;我们假定它里面还有一种内在的东西,即一种意蕴,一种灌注生气于外在形状的意蕴。"

　　那么,究竟什么是意蕴呢?黑格尔举了一个例子来说明,他认为,就像一个人的眼睛,面孔皮肤,肌肉,乃至于整个形状,都显现出这个人的灵魂和心胸一样,艺术作品也是要通过线条,色彩,音响,文字和其他媒介,通过整体的艺术形象,来“显现出一种内在的生气,情感,灵魂,风骨和精神,这就是我们所说的艺术作品的意蕴。"

　　英国著名艺术理论家克莱夫• 贝尔在<艺术>(1914)一书中,提出了“艺术乃是有意味的形式”的论点,成为世界各国美学界最流行的口头禅。贝尔认为:“艺术品中必定存在着某种特性,离开它,艺术品就不能作为艺术品而存在;有了它,任何作品至少不会一点价值也没有。这是一种什么性质呢? 可做解释的回答只有一个,那就是‘有意味的形式’。”贝尔强调,这种“形式”是指艺术作品内的各个部分和质素构成的关系,这种“意味”则是一种极为特殊,难以言传的审美感情。

　　中国美学史上尽管没有明确提出意蕴这一概念,但历代美学家,艺术家们对艺术作品中“形”“神”的关系却有过大量精辟的论述。 如东晋顾恺之绘画思想的核心就是“以形写神”。南齐书法家王僧虔也提出“书之妙道,神采为上,形质次之” 。唐代书法家张怀瑾把书法艺术分为神,妙,能三品,认为“风骨神气者居上”。中国诗论,文论对这一问题也有许多论述,如唐代诗论家司空图提出诗歌应当具有“象外之象”“景外之景”“韵外之致”“味外之旨”“,这对以后诗歌的发展产生了很大的影响。

　　宋代严羽的“妙悟说”,清代王士禛的“神韵说”等,可以说都是司空图美学思想的继承和发展。

　　其实,艺术意蕴就是指艺术作品应当在有限中体现出无限,在偶然中蕴藏着必然,在个别中包含着普遍。优秀的艺术作品总是通过生动感人的艺术形象,来传达出深刻的人生哲理或思想内涵。

　　中国古代山水画家喜欢画“远”(高远,深远,平远),“远”就是中国山水画的意蕴。因为“远”突破山水的有限的形象,使人的目光伸展到远处,从有限的时空进到无限的时空。中国古代的诗人喜欢登高远望,也是为了从有限的时空进到无限的时空,从而引发一种带有哲理性的人生感,历史感,宇宙感。宗白华说:“杜甫诗云:篇终接混茫。‘有尽的艺术形象,须映在“无尽’的和‘水恒’的光辉之中。言在耳目之内,情寄八荒之表‘一切生灭相,都是’永恒‘的和’无尽‘的象征。屈原,阮籍,左太冲,李白,杜甫,都曾登高远望,情寄八荒."

　　如屈原<离骚>有诗句“路漫漫其修远兮,吾将上下而求索”,杜甫有<望岳>诗句“会当凌绝顶,一览众山小”,李白有<登新平楼>诗句:“天长落日远,水净寒波流,”“苍苍几万里,目极令人愁。”这些诗句都蕴涵着人生的哲理,这就是"意境",中国的古曲,如笛子曲<秋湖夜月>,琵琶曲<大浪淘沙>,也都有类似的意蕴.中国古典园林在美学上的最大特点也是重视意境的创造,中国古典园林的美不是一座孤立的建筑物的美,而是艺术意境的美。其中的建筑,楼,台,亭阁,都要服从于创造艺术意境的要求。

　　明代计成在《园冶>中说:“轩楹高爽,窗户虚邻,纳千顷之汪洋,收四时之烂漫。”计成这段话指出园林建筑的审美价值主要不在于建筑本身的美,而是在于“纳千顷之汪洋,收四时之烂漫”,也就是使游览者从有限的时空进到无限的时空,从而对于整个人生,历史,宇宙获得一种哲理性的感受和领悟。

　　艺术作品中的这种深层意蕴,具有多义性和模糊性,这是由艺术形象的整体性决定的。

　　艺术形象的整体性和深刻性常常使不同的欣赏者从不同的审美体验和审美角度出发,获得多种不同的理解,所以“一千个人眼中有一千个哈姆雷特”,所以有“说不完的<红楼梦>”。甚至艺术家自己也难以确定艺术品的意蕴,有时艺术品本身蕴涵着艺术家本身没有意识到的深刻内涵。

　　如意大利佛罗伦萨美蒂奇教堂内,保存着米开朗琪罗的四件大理石雕刻,即<晨><暮><昼><夜>,对于这四件雕刻作品的含义就有多种存在着很大分歧的说法,米开朗琪罗的学生著名美术史家瓦萨里认为,这四件雕刻作品象征着时间的流逝和世事的变迁,除此之外,它们的构图大多给人以不稳定的感觉,人物的神情显露出惶恐与悲伤。也有人联系到米开朗琪罗本人曾经写过一首诗:“睡眠是甜蜜的,成为顽石更是幸福。只要世上还有罪恶与耻辱,不见不闻,无知无觉,于我是最大的满足。不要惊醒我。”

　　虽然这几件雕刻作品肯定蕴涵着米开朗琪罗对人生,历史,社会的深刻思索,但它们蕴藏着的无穷意味,又很难说得清楚。

　　从以上这些例子可以看到,艺术意蕴常常超越了作品自身特定的历史内容,具有更加普遍和深刻的思想内涵,它需要欣赏者用自己的全部心灵去探究和领悟,它也是作品具有不朽的艺术魅力的根本原因。

　　此外,还有一点需要指出,在艺术作品的层次构成中,任何一个作品都必须具有前两个层次,即艺术语言和艺术形象。 作为第三个层次的艺术意蕴,则并不是每一个艺术作品都必须具有的,某些偏重于娱乐性,功利性或纪实性的作品,常常就不存在这一层次。但是,从总体上讲,正是这三个层次的完美结合,才可以成为流传后世的优秀艺术作品。

　　艺术作品的这三个层次具有相对独立的意义,其中每一个层次都有自身的审美价值 有的艺术作品或许只有其中某一个层次比较突出,或者有独创的艺术语言,或者有感人的艺术形象,或者有发人深思的艺术意蕴。但是,真正优秀的艺术作品,总是在这三个方面都卓有成就,并且将这

　　三个层次有机地融合为一个整体。

　　第三节

　　三、典型和意境

　　对于艺术作品来讲,典型和意境也是十分重要的两个问题。 作为美学范畴,典型和意境对各门艺术都具有普遍意义,二者既有联系,又有区别。一般来讲,典型重再现,意境重表现;典型重写实,意境重抒情;典型重描绘鲜明的人物形象,意境重抒发艺术家的内心情感。以再现性为主的艺术作品,常常更侧重于在作品中塑造典型;以表现性为主的艺术作品,常常更侧重于在作品中创造意境。在西方文艺理论中,典型论占有重要的地位;在中国古代文艺理论中,意境论占有重要的地位。

　　1、典型

　　典型是指艺术作品中具有一定本质意义的个性化的艺术形象或形象体系,它包括典型人物,典型环境等。

　　典型是优秀艺术作品的一个显著特征,尤其在叙事性艺术作品中,塑造出鲜明的典型人物形象具有十分重要的意义。创造艺术典型,要求在鲜明生动的个性中体现出广泛普遍的共性,对社会现实关系的真实描写是艺术典型塑造的起点,要真实地再现典型环境中的典型人物,典型直接或间接地体现着艺术家的审美理想。

　　被人们广泛引用的是恩格斯关于典型的论述。 恩格斯认为,优秀的艺术作品中,典型人物形象应当是个别性与普遍性的高度有机的统一体,“每个人都是典型,但同时又是一定的单个人”。为了真正地塑造好典型,就需要“真实地再现典型环境中的典型人物”,典型包括典型人物,典型事件,典型环境等,但典型的核心是塑造鲜明生动的典型人物形象。典型是普遍性与特殊性的有机统一,又是必然性与偶然性的有机统一。任何艺术典型,都是在鲜明生动的个性中体现广泛普遍的共性,在独一无二的个别形象中体现具有普遍性的意义。

　　艺术典型的个性,是指作品中人物形象非常独特,不仅有独特的外表,独特的行为,独特的生活习惯,而且有独特的性格、独特的感情、独特的内心世界,也就是说,这个人物形象应当独一无二,不可重复。如冈察洛夫长篇小说<奥勃洛摩夫>中懒惰成性,不可救药的奥勃洛摩夫这个人物,他的主要性格特征是懒惰。他还年轻,又颇有教养,却整天穿着睡衣,把一生大好时光都消磨在睡眠上,甚至在做梦时也还梦见睡觉。

　　这个年轻的贵族完全丧失了常人生活的意志和兴趣,尽管朋友和女友用尽种种办法想使他振作起来,但仍然无济于事,友谊和爱情在奥勃洛摩夫看来都只不过是麻烦而已。他仍然又回到寄生虫式的生活中,最后躺在床上默默地死去。这个人物是俄国19世纪批判现实主义作家们所塑造的“多余人”形象的一个典型,“奥勃洛摩夫性格”实际上是那个时代的标志,象征着旧俄国腐朽寄生的生活方式。

　　从这种意义上讲,这种独一无二的个性又体现出某种时代和阶级的共性。广而言之,这种“奥勃洛摩夫性格”更是一种具有极大概括力的人类性格典型,甚至在不同时代, 不同阶级的人物身上都可能具有。列宁指出:“在俄国生活中曾有过这样的典型,这就是奥勃洛摩夫,他老是躺在床上制订计划。从那时起,已经过去很长一段时间了。俄国经历了三次革命,但仍然存在着许多奥勃洛摩夫,因为奥勃洛摩夫不仅是地主,而且是农民;不仅是农民,而且是知识分子;不仅是知识分子,而且是工人和共产党员。我们只要看一下我们如何开会,如何在各委员会里工作,就可以说老奥勃洛摩夫依然存在。"

　　再如鲁迅笔下的阿Q,也是被人们公认的既有人物鲜活个性,又有象征中国国民劣根性的普遍意义的典型人物。艺术作品中具有典型意义的人物形象,是艺术家从生活真实与艺术真实出发,在大量的生活素材中发掘典型人物的原型,对客观现实生活加以艺术概括,经过艺术加工和艺术虚构创作出来的,具有一定社会本质概括性的个性化的艺术形象。

　　2、意境

　　1)意境是中国传统古典美学的一个重要范畴

　　意境是艺术作品中一种情景交融、虚实相生的境界,是艺术中主客观因素的有机统一。意境中既有来自艺术家主观的“情”,又有来自客观现实升华的“境”,“情"和“境”是有机地融合在一起的,境中有情,情中有境。

　　意境,是中华民族在长期艺术实践中形成的一种审美理想境界,是中国古典美学传统的一个重要范畴: 中国古典绘画,文学,书法,音乐,建筑,戏剧都十分重视意境的营造。

　　艺术意境与艺术典型二者之间既有区别,又有联系。

　　前面讲到,意境重表现、重抒情并以创造景物意象为主;典型则是重再现,重写实并以塑造人物形象为主。但二者有一点是共同的,即它们都是在有限的艺术形象中,体现出无限的艺术意蕴,艺术典型是在个别的人物形象身上体现出共性,普遍性和本质必然性,艺术意境则是在情景交融的境界中让人们感悟出无穷的意味。

　　从艺术实践来看,意境是使艺术作品具有独特审美价值和审美魅力的重要原因,它使欣赏者获得蕴藉隽永,余味无穷的美感。诗往往通过创造意境,来构成一种内在的,含蓄的,意味深长的艺术境界,如王维的名篇(山居秋暝):“空山新雨后,天气晚来秋,明月松间照,清泉石上流。竹喧归浣女,莲动下渔舟,随意春芳歇,王孙自可留。”这首诗描绘秋日将晚时山间的景色,山雨初霁,万物一新,山泉清冽,皓月当空,犹如世外桃源一般。诗人置身景中,写自己的所见,所闻,所感,情景交融,以景传情;全诗无一字直接言情,然而又是字字言情,于诗情画意中寄托着诗人高洁的情怀和对理想境界的追求。

　　中国绘画也非常讲究意境,史料记载,宋徽宗时,北宋画院多以命题画方式来招考画师,其实就是创造绘画意境来表达诗意。其中,有人们熟悉的“野水无人渡,孤舟尽日横”,画一舟人卧于船尾,手横一支孤笛,正悠然自得,以示无人之意,又有“竹锁桥边卖酒家”,画面上看不到酒店,只在桥头画了一片竹林,竹林里挑出卖酒的招牌,用绘画艺术形象地表达了“锁”字的含义, 还有“踏花归去马蹄香”,这一诗意本来是很难以绘画形象表达的,结果中选的画是这样画的,在奔驰的马路后面,一群蝴蝶正尾随追逐,引起观众的联想和想象,由此而开阔了画的意境。

　　除了诗,画以外,中国传统的建筑,书法,音乐等,也都十分重视创造意境。此外,虽然意境更多地出现在抒情艺术和表现艺术中,然而,对于以叙事和再现为主的电影、电视、戏剧等综合艺术来讲,同样需要在作品中创造含蓄深沉的意境,通过诗情画意的艺术境界,传达出内在的情感,情绪和意蕴,使作品更富有艺术感染力。

　　20 世纪80年代以来,中国影坛上出现的一批影片十分注意继承和借鉴民族优秀美学传统,包括在影片中对意境的着力追求,从面形成了独特的艺术风格和美学特色。如<城南旧事>将意境渗透在整部影片之中,将诗情曲意融会在一起,使电影画面韵味深长,使观众从可视的形象体会不可视的情感,从有限的画面感受无限的意蕴。影片开头就是一幅20世纪20年代古老北京城的风情画,由长城的特写镜头拉成全景,镜头摇过秋日中随风摇曳的枯草,化出巍峨古老的长城蜿蜓起伏,伸向远方。

　　再加上画面上长城倾塌的箭垛和烽火台,更加深了这种含蓄隽永的意境,传达出天涯倦客对儿时生活的追怀和远方游子对祖国的无限思念,大大增强了影片感人的力量。

　　意境之所以具有强烈的艺术感染力,是由于艺术家们抓住了自然形象中富有诗意或象征意义的特征,融情人景,寓意于景,使这些自然形象具有更强烈的主观色彩,使欣赏者能够从有限的艺术形象中领悟到无限的艺术意蕴。

　　在意境中,境是基础,如果没有境,也就没有艺术形象,因此,在创造意境时,艺术家们都十分注意精心选择自然界富有诗意特征的事物或景物,但是,在意境中起主导作用的仍是情意,因为艺术意境并不是生活境界的自然复制,艺术中的“境”已经不是生活中的自然风景,而是经过艺术家提炼取舍,熔铸了艺术家思想情感的景物。

　　例如画家常以梅,兰,竹,菊入画,是因为这些自然形象具有鲜明的个性和与众不同的品格,梅的高洁,竹的坚贞,兰的静逸,菊的孤傲,最符合文人高士理想的品格和情操,历代文人画家以画“四君子”而著称于世的不胜枚举,以画竹著称的郑板桥还常以诗,书,画统一于一体的形式表现意境,<风竹图>就是他的代表作之一,画面上的题诗表明了他的精神追求:“衙斋卧听萧萧竹,疑是民间疾苦声,些小吾曹州县吏,一枝一叶总关情。”

　　再如清初著名画家朱耷,别号“八大山人”,

　　他本是明朝皇室的后裔,明亡后怀着家国之恨,出家当了和尚,后来又当了道士。由于有这样的经历和身世,他常常通过描绘花木鱼鸟的某种特征和动态,以至将其夸张变形,来寄托自己郁闷悲愤的情感,抒发对现实的不满和愤慨,(荷花水鸟图)就是他的一幅代表作。画面上,残荷斜挂,孤石倒立,一只缩着脖子,瞪着白眼的水鸟孤零零地蹲在石头上,很像是画家本人的自我写照。全画以极其简练而苍劲的用笔,创造出一种萧瑟惨淡的意境,画中的大片空白更加增强了悲凉的氛围,使得“无画处皆成妙境”。

　　文学家在创作中,也同样是精心挑选自然形象来创造意境,如郭沫若以端直珍贵的银杏树来象征中华民族的精神,茅盾以傲然挺立的白杨树来寓意抗日军民的顽强斗志,高尔基以暴风雨中的海燕来歌颂人民的革命斗争等。诗人更是精心选择生活中直接唤起情感的自然景色,赋予它们以审美的意义,如王维的“人闲桂花落,夜静春山空。月出惊山鸟,时鸣春涧中”。这首诗以花落,月出,鸟鸣这样一些动的景物,突出地显示了春涧的幽静,创造出一种恬静,和谐的美好意境,这种大自然的和谐美好令人愉悦,同时也能引发人们对人世间的和平安宁,人的自我心理和谐的向往与追求。

　　艺术文学家在创作中,也同样是精心挑选自然形象来创造意境,如郭沫若以端直珍贵的银杏树来象征中华民族的精神,茅盾以傲然挺立的白杨树来寓意抗日军民的顽强斗志,高尔基以暴风雨中的海燕来歌颂人民的革命斗争等。诗人更是精心选择生活中直接唤起情感的自然景色,赋予它们以审美的意义,如王维的“人闲桂花落,俊静春山空。月出惊山鸟,时鸣春涧中”。这首诗以花落,月出,鸟鸣这些动的景物,突出地显示了春涧的幽静,创造出一种恬静,和谐的美好意境,这种大自然的和谐美好令人愉悦,同时也能引发人们对人世间的和平安宁,人的自我心理和谐的向往与追求。

　　2)艺术意境的特点

　　艺术意境一般包含以下三个方面的特点:

　　意境是一种若有若无的朦胧美;

　　意境是一种有限无限的超越美;

　　意境是一种不设不施的自然美。

　　① 意境是一种若有若无的朦胧美

　　艺术意境是艺术家在艺术作品中创作的一种空灵境界。在中国传统美学理论中,通常把艺术境界区分为实与虚两个部分,任何优秀的艺术作品都是虚实相生的,心与物,情与景,意与象,神与形,前者为虚,后者为实。意境的实的部分存在于画面,文字,乐曲及想象的具体意象当中,而意境的虚的部分,却是构成意境的更为重要的部分,其在于具体意象之外的无限想象和哲理感悟之中。

　　这种无限的想象和哲理感悟在审美过程中常常表现为一种若有若无的朦胧美,正如陶渊明所说:“此中有真意,欲辨已忘言。"(<饮酒>)

　　②意境是一种有限无限的超越美

　　中国传统艺术历来追求“言有尽而意无穷”的境界,追求“韵外之致”“味外之旨”。 在日常生活当中,我们常常用“意境”这个词。比如说,一首诗很好,我们就说“这首诗很有意境”。一幅画很好,我们就说“这幅画很有意境”,甚至看完一场电影,走出电影院,我们也会听到有人议论“今天的电影很有意境”,我国著名美学家,北京大学博士生导师叶朗教授认为,尽管大家都在用这个词,但对于究竟什么是意境,很多人并没有搞清楚。

　　近十多年,我们学术界讨论意境的论文和专著相当多，大家对于“意境”的理解和解释并不准确。其中最主要的表现是很多人都把“意境”利“意象”混为一谈。很多人说,意境就是“情景交融”，这种解释大概是从清代开始的。清代有一位画论家布颜图,他就把"意境”规定为情景交融。后来王国维在<人间词话>和其他一些著作中也将“意境"或"境界"解释为情景交融。 其实他们所规定的是另一个概念,即“意象”,而不是“意境”。

　　中国传统美学认为艺术的本体就是“意象”,而“意象”的基本规定就是情景交融,任何艺术作品都要创造意象,因此,任何艺术作品都应该情景交融。但不是任何艺术作品都有“意境”,“意境”除了有“意象”的一般规定性(情景交融)之外,还有自己特殊的规定性。“意境”的内涵大于“意象”,“意境”的外延小于“意象”。

　　叶朗教授为了清楚地解释“意境”的内涵,他追溯到老子的哲学,他认为,“意境说”的思想根源是老子的哲学。他认为,从老子开始,中国古典美学逐渐形成了几个重要的理论,其中之一是“意象说”。

　　“意象说”是关于艺术(和审美活动)的本体的理论。这个理论的集大成者是王夫之。王夫之建立了一个以审美意象为中心的美学体系王夫之讨论的是诗歌。诗歌(艺术)是什么?工夫之画了两条界限，第一条界限,“诗”和“志”的界限。“志”就是思想情感(“情志一也”)。王夫之指出,很多人在这个问题上有混淆。“诗言志”,这是不错的。艺术总是要表现人的思想情感。但是“志”不等于“诗”,“意”佳不等于“诗”佳。

　　20世纪80年代文艺界有些作家主张艺术的本体就是情感,就是把“志”当成了“诗”,其实情感的表现人人都有,但不能说每个人都是艺术家。 你愤怒的时候可能骂人,你悲伤的时候可能大哭一场,但那不是艺术,别人不会来欣赏你骂人或大哭。 当然骂人骂得好,或者哭得好,也是艺术,但那性质已变了,变成了意象。

　　王夫之画的第二条界限是“诗”和“史”的界限。“史”就是历史实录。王夫之认为,“诗”和“史”的性质和任务不同,不能互相代替。 他和明代的杨慎一样,反对宋人给杜甫加上“诗史”“的桂冠。“鄙哉宋人之见也,不足以言诗”,他认为杜甫那些被宋人称赞为“诗史"的作品,并不是杜甫最好的作品,“于史有余,于诗不足”。诗和历史实录不一样,它和实录是有距离的。

　　“诗”不是“志”,“诗”不是“史”,那么“诗”是什么呢?“诗”是“意象”。王夫之认为诗(艺术)的本体就是意象。 意象的基本规定就是情景交融用我们今天的话来说,意象就是一个包含意蕴于自身的一个完整的感性世界。<诗经>第一首第一句“关关雎鸠,在河之洲”,千古传诵,就在于它的意象佳妙,王夫之又对“意象”的特性做了非常深刻的分析,王夫之指出的诗歌(意象)特性之一,就是意蕴具有某种无限性。

　　也就是我们今天所说的多义性,从读者(观众)来说,这就是美感的差异性,“一千个读者有一千个哈姆雷特”。这是艺术不同于逻辑论文,标语口号的地方。王夫之认为,这也正是艺术之所以可贵的原因。一个标语,一幅宣传画,如“行人过马路,要走人行横道”,它的含意是明确的,因此是有限的。但一首诗,一幅画就不同了。王夫之举了许多例子,例如:晋代司马昱的一首诗<春江曲>:“客行只念路,相争渡京口,谁知堤上人,拭泪空摇手。”这是渡口的一幅小景,但对于那些名利场中迷恋忘返的人,这首诗好像静夜钟声,可以使他惊觉,人生中有许多比名利更根本,更有价值的东西,被你忽略了,被你抛弃了。

　　叶朗教授又以贵州著名雕塑家国家一级美术师刘雍的一个雕塑作品为例。一个猛兽张着大嘴,在嘴里有个窝,里面有三只小鸟张着嘴巴,它们的母亲正衔着食物飞来喂它们。这个雕塑的含意是什么?当然有多种阐释,这种阐述的无限可能性,其根据就在于作品(意象)本身含意的宽泛性,多义性,某种不确定性和某种无限性。 王夫之用一个命题来概括,那就是“诗无达志”。

　　再一个重要理论是“意境说”。 意境说也发源于老子， 老子哲学中有两个基本思想对中国古典美学后来的发展影响很大。第一,“道”是宇宙万物的本体和生命对于一切具体事物的观照。第二,“道”是“无”和“有”,“虚”和“实”的统一，“道”包含“象”,产生“象”,但是单有“象”并不能充分体现“道”,因为“象”是有限的,而“道”不仅是“有”,而且是“无”(无名,无限性,无规则性)。就“道”具有“无”的性质来说,"道”是“妙”。

　　在老子这两个思想影响下,中国古代的艺术家一般都不太重视对于一个具体对象的逼真的刻画,他们所追求的是把握(体现)那个作为宇宙万物的本体和生命的“道”。为了把握“道”,就要突破具体的“象“,因为“象”在时间和空间上都是有限的,而“道”是无限的,东晋大画家顾恺之提出“传神写照”(“传神写照正在阿堵中”),但大家都忽略了他前面的一句话:“四体妍媸无关乎妙处。”在他看来，人物之神与人物之形即所谓“四体妍蚩”相比，具有更本质的意义，绘画的价值就是要传达出人物的"神”。形与神之间，神是第一位，形是第二位，神是目的，形是依托。

　　南朝画家谢赫也说过:“若拘以体物,则未见精粹;若取之象外,方厌膏腴,可谓微妙也。”他们都强调说画家要追求的是“妙”。他们认为,抓住一个有限的对象刻画得很逼真(“拘以体物”),是达不到“妙”的境界的,到了唐代,“意境”的理论就诞生了。什么是“意境”呢?刘禹锡有句话:“境生于象外,”这可以看作是对于“意境”这个范畴最简明的规定。“境”是对于在时间和空间上有限的“象”的突破。“境”当然也是“象”,但它是在时间和空间上都趋向于无限的“象",也就是中国古代艺术家常说的“象外之象”“景外之景"。

　　有意境的作品和一般的艺术品的区别就在于它不仅是揭示生活中某一个具体事物或具体事件的意味,而是要超越具体的事物和事件,从一个角度去揭示整个人生的意味,所以,不是任何艺术作品都有意境,也不是任何好的艺术作品都有意境,一个作品可能是很美的,也可能是很好的,但如果它没有揭示整个人生的某种意味,那么我们就不能说它是具有意境的作品 。苏东坡就比较过吴道子的画和王维的画。他认为王维的画有意境,而吴道子的画则缺乏意境。

　　王夫之也比较过杜甫和王维的诗。 他认为杜甫的特点是“即物深致,无细不章”,别人写诗都怕写不逼真,杜甫则太逼真了,而王维则能取之象外,“广摄四旁,圜中自显”。所以,他说杜甫是“工”,王维是“妙”。王国维在<人间词话>中评论姜白石,说他的词格调很高,但没有意境。大家都知道姜白石不仅是文学家而且是音乐家。他的词多半是他自己作的曲他的曲谱一直保存到今天,可以听一听他的一首软曲:词牌是(鬲梅溪令)(1196)。

　　这是宋代的歌曲,距离今天有八百多年的历史,这曲多么的美,雍容华贵,格调很高。 听起来很有韵味,但因不能使人感受到整个人生的某种意味,所以格调虽高,却没有意境。当然,中国古代音乐作品中有很多是有意境的。苏东坡有一篇<前赤壁赋>,这篇文章描写他和朋友在明月之夜泛舟于赤壁之下。朋友之中有人吹起了洞箫,苏东坡形容洞箫的乐声,用了八个字,“如怨如慕,如泣如诉”。可以想见,在这个洞箫的乐声中,一定包含了他这位朋友对整个人生的某种感受,可惜苏东坡这位朋友吹的洞箫我们听不见了。

　　不过我们还有一些乐曲保留了古代的韵味。例如有一首笛子曲<秋湖夜月>,很有意境,可以分析一下它的后面一段。这段的开头,可以说是整个乐曲的华彩乐段,表现了人生的欢乐和情趣,对生命的赞美和依恋,但从它的整首乐曲来说,是要从人生艰辛的旅途中超脱出来,要寻求一种空明,宁静的精神的家园。比较一下前面说的姜白石的歌曲,它们包含的意味是不同的,这首笛子曲抒发的不是生活中某一个具体情景的意味,它要寻找,体验整个人生的某种意味。

　　唐宋词很多作品很有意境,其中一些大家熟悉的名句,比如像“何处是归程,长亭更短亭”,比如像“流光容易把人抛,红了樱桃,绿了芭蕉”,比如像“问君能有几多愁,恰似一江春水向东流”,读这些词感到的也是一种惆怅,好像旅客思念家乡一样茫然若失,这种惆怅也是一种诗意和美感,也带给人一种精神的愉悦和满足。在这种美感中,包含了对于整个人生的某种体验和感受,可以说,这是一种最高的美感。

　　从审美活动的角度看,意境就是超越具体的,有限的物象,事物,场景,进人无限的时间和空间,所谓“胸罗宇宙,思接千古”,从而对整个人生,历史,宇宙获得一种哲学性的感受和领悟。一方面超越有限的“象”,另一方面“意”也从对于某个具体事物,场景的感受上升为对于整个人生的感受,这种带有哲理性的人生感,历史感,宇宙感,就是“意境”的意蕴。这种象外之象所蕴涵的人生感,历史感,宇宙感的意蕴,就是“意境”的特殊的规定性,“意境”是“意象”中最富有形而上意味的一种类型。因此,意境是一种有限无限的超越美。

　　③意境是一种不设不施的自然美

　　意境追求天然之美,朴素之美,纯真之美。 这也是由意境情景交融的特点决定的。 在意境中的“情”是“景中情”,意境中的“意”是“境中意”。有意境的艺术形象中,情,景,意是自然契合,高度和谐统一的,它们共同构成了一个有机的艺术作品整体。

　　第四节

　　四、艺术风格、艺术流派与艺术思潮

　　1、艺术风格

　　“风格”一词源于古希腊,最初的意思是棍子,柱子;后来把写字的棍子叫作风格,继而又引申出另一种含义,即语言风格,如修辞或演讲的技巧,笔调,阐述思想的方式;之后该词义又突破了文学语言范畴,扩展到音乐绘画,雕塑,建筑等各种艺术领域;到18世纪中叶,“风格”才开始具有现代意义上的含义。黑格尔在他的<美学>中,对严峻的风格,愉快的风格等进行了区分和论述。

　　在我国,公元5世纪左右就有了关于艺术风格的论述。 刘勰在<文心雕龙>里把文学风格分为典雅,远奥,精约,显附,繁缛,壮丽,新奇,轻靡等八种。南齐画家谢赫在(古画品录)中评论魏晋以来的20多位画家时,也使用了“颇为壮气”“力道韵雅”“风趣巧拔”等词语形容画家的风格。诗评家钟嵘的<诗品>评论诗人的艺术风格已经较为精细。他称曹植的诗“骨气奇高,词采华茂",左思的诗“文典以怨,颇为精切,得讽喻之致",陶渊明的诗“笃意真古,辞兴婉惬",这些评价基本上捕捉到了所论诗人的艺术风格特征。

　　唐代司空图的<诗品二十四则>可以说是中国古代文论中关于艺术风格的集大成者,他把艺术风格概括为24种类型。宋代严羽的<沧浪诗话>和清代姚鼐的<复鲁絜非书>等也都对文学风格进行了分类研究。 但我国古人论风格主要使用风力,风气,风神,体势,兴味,韵味,格调等概念,作为现代艺术批评术语,艺术风格直到现代才诞生。

　　1)什么是艺术风格?

　　艺术风格就是艺术家的创造个性与艺术作品的形式,情境交互作用所呈现出的相对稳定的整体性艺术特色。风格是艺术家创造个性成熟的标志,也是作品达到较高艺术水准的标志。

　　风格既包括艺术家个人的风格,也包括流派风格,时代风格,民族风格等。

　　例如我国京剧史上的“四大名旦”“四大须生”闻名于国内外,表演特色各不相同。“四大名旦”中梅兰芳雍容富丽,程砚秋深沉委婉,荀慧生俏丽清新,尚小云刚劲洒脱;“四大须生”中马连良潇洒华丽,谭富英朴实清脆,杨宝森悲凉醇厚,奚啸伯严谨工整。又如戏剧家曹禺和老舍,既处于同一时期又都是采用现实主义创作方法,但是他们的作品在题材的选择,结构的安排,矛盾的处理,特别是艺术语言的运用等方面具有完全不同的稳固个性和艺术特色。

　　曹禺的戏剧始终在尖锐的冲突中发展,通过对比鲜明的人物形象,思想深刻的艺术语言,紧张的节奏和震撼人心的悲剧结局构成其鲜明的艺术风格;老舍的戏剧则以幽默而生动的艺术语言,亲切而纯朴的人物形象,特别是对老北京劳动人民性格特征的生动刻画,形成了具有浓郁的民族特色和老北京地方特色的艺术风格。

　　鲁迅在白色恐怖的严酷环境中,常常更换笔名发表杂文,但无论杂文的题材,内容如何不同,熟悉鲁迅作品的读者还是一眼就能看出是鲁迅写的,国民党的御用检察官也能从中嗅到气息,这是为什么呢?因为鲁迅具有成熟的艺术风格,他的冷嘲热讽的幽默笔调,他的鲜明立场和观点等风格特征,使读者见其文而知其名。所以,可以通俗地说,风格是艺术作品的欣赏者认识艺术家的重要依据。

　　那么,欣赏者是如何通过作品辨识艺术家的呢?或者说,艺术风格的主要表现是什么呢?前面我们提过,艺术风格是艺术家的创造个性与艺术作品的语言情境交互作用所呈现出的相对稳定的整体性艺术特色,不同的艺术家的鲜明风格体现的侧重点不同。有的主要体现在艺术语言和形式方面,有的主要体现在作品的题材,内容方面,有的在艺术作品的内容和形式的诸多方面都有鲜明的个性特征。

　　但总体上讲,艺术风格是艺术家创造个性的整体性特色,它既具体表现于作品的艺术形式,如作品的结构,语言,手法等方面,也表现在作品内容,如作品的题材,主题,艺术形象的情感性,思想性与意境等方面,它是艺术作品的内容与形式的统一整体所呈现出来的艺术特征。

　　艺术风格形成的具体原因是不同的,概括起来讲,影响艺术家风格形成的因素主要有以下几个方面:

　　首先,作为艺术生产中的创造主体的艺术家,必然要在艺术作品上留下艺术家个人的气质性格,禀赋,艺术趣味的印记,艺术家的艺术才能和心理特点都很自然地会投射和熔铸到他所创作的艺术品之中,通过创造性劳动将主体对象化到艺术作品之中,中外艺术史上,对这一点有过许多论述,中国古代文论常讲“文如其人",法国文艺理论家布封讲“风格即人”,实质上都是强调艺术风格体现出艺术家的个体精神特性。

　　曹丕在<典论•论文>中也认为“文以气为主”,强调作家的独特气质在创作中的重要性;刘勰在<文心雕龙.体性>中,更是以大量艺术家的例子来论证。艺术心理学的研究证明,艺术家独特的性格,气质等内在个性心理特征,确实可以对创作风格产生很大的影响。现代心理学把人的气质分为四种基本类型,据研究结果表明,“俄国的四位著名作家普希金,赫尔岑,克雷洛夫,果戈理在气质上就分别是胆汁质,多血质,黏液质,抑郁质”,显然,这几位著名作家不同的气质和心理特征,对他们的创作产生了影响,成为他们不同创作风格的形成原因之一。

　　再如李白,他天赋超常,性格豪迈,加以嗜酒如命,号称饮中诗仙。他拒绝参加科举考试,而以隐居,仕游扬名,高标独立,傲然不群,所以他的诗酣畅淋漓,元气饱满,气势飞扬,清新飘逸。这种独特的艺术风格是无法通过学习得到的,因为它与李白的个性特征紧紧联系在一起。中国现代作家汪曾祺在<晚翠文谈• 自序>中讲:“一个人的气质,不管是由先天还是由后天形成,一旦形成,就不易改变。人要有一点自知。我的气质,大概是一个通俗抒情诗人, 我永远只是一个小品作家。我的一切,都是小品。就像画画,画一个册页,一个小条幅,我还可以对付;给我一张丈二匹,我就毫无办法。"这也说明了个人气质与创作风格的关系。

　　其次,艺术家的创作个性不同于艺术家生活中的个性。每个艺术家都有自己的生活个性,但却不一定都具有创作上的个性。艺术家的创作个性是在创作实践过程中形成的,是创作上成熟的表现。形成艺术家创作个性的条件,除了个人的性格以外,还有生活阅历,审美趣味,艺术修养等因素。艺术家的人生道路,生活环境,阅历修养和艺术追求不同,他们在艺术作品的内容和形式的各种因素中,就会表现出与众不同的艺术特色。

　　艺术家在观察生活和表现生活的过程中,如果没有白己独特的感受,体验和发现,就不可能有独具特色的表现手法和艺术语言,而仅仅对客观生活进行表面的描摹或者因袭前人的作品,就不会显示出自己的创作个性。我国清代初期,不少画家一味抄袭前人的作品,因循守旧,不敢创造,成为时弊。而山水画家石涛针砭时弊,提出“我的精神”的论断,强调艺术家必须重视自己的创作个性,他画出的黄山云烟,南国水乡等作品,莫不另辟蹊径,独树一帜,终于自成一家。郑板桥说:“石涛画法,千变万化,离奇苍古而又能细秀妥帖。”用今天的话说就是既具奇险古朴又蕴藏沉郁苍劲,奔放之中又不失细腻自然。

　　艺术家创作个性的形成,与艺术家独特的生活阅历以及艺术家对生活的独特感受有密切的关系。 生活培养了艺术家的创作个性。艺术家在创作过程中,从题材的选择到主题的提炼,从艺术结构的构建到艺术语言的运用,都体现出鲜明的创作个性,也正因为如此,艺术家从艺术体验到艺术构思,直到艺术传达和表现,始终具有自己独特的审美体验,构思方式和表现角度,从而形成自己的艺术风格。

　　罗曼•罗兰本人既是一位作家,又是一位音乐学家,早年曾在巴黎大学讲授艺术史,正因为他对音乐非常熟悉,后来才写出了长篇小说<约翰•克利斯朵夫>,描写音乐家约翰.克利斯朵夫依靠个人奋斗来反抗社会的悲剧,深刻揭示了尖锐的社会矛盾。曹雪芹家从曾祖父起三代担任江宁织造的要职,康熙皇帝五次南巡有四次住在他家里,后因其父免职,产业被抄,家道衰落,正是这种复杂的生活经历与坎坷

　　人生既为他创作巨著<红楼梦>奠定了坚实的生活基础,也成为他独特艺术风格形成的重要依据。

　　法国画家米勒,在巴黎的近郊巴比仲农村生活了27年,长期过着日出而作、日落而息的农耕生活,他创作的油画<播种者><拾穗><晚钟>等作品,从题材,主题到整体画面都体现了鲜明的艺术风格。我们看到他笔下的农民形象总是朴实善良,顺从忍耐,安于天命的,他的作品总是充满对农民终年劳碌最后落得“家田输税尽,拾此充饥肠”的境况的无限同情。他的作品有如农民,泥土,田野,森林那样醇厚自然,简洁朴实而又和谐柔美。

　　法国后期印象派画家的代表人物高更,如果不是因为厌倦了上流社会的生活,毅然放弃职业和家庭来到南太平洋的热带岛屿上,亲身体验和经历了原始社会的生活与带有神秘色彩的风土人情,也不可能创造出<我们从哪里来,我们是谁,我们往哪里去>这种富有原始情趣的绘画作品来。

　　再如明末清初画家八大山人是明王室的后裔,清朝建立之后,他拒不合作,却无法改变自己的命运,只能在作品中宣泄对清朝以及降清之士的鄙视,因此,他的画冷傲之中夹杂着激愤,形成了别具一格的画风。扬州八怪之一的金农画风奇特,历经数变,每次改变都和他人生体验的不同境界息息相关。他早年喜欢画竹,画的价格百倍于竹子。中年改而画马,并且都是西域进口的大宛马,桀骜不驯,这正是他画名远播,“布衣雄世”的时代。此后,由于生活困顿,人情冷暖,他对世情有了更多,更深人的了解,笔下的马又是另一番模样。

　　金农白己说:“今子画马,苍苍凉凉,有顾影酸嘶自怜之态,其悲跋涉之劳乎!世无伯乐,即遇其人,亦云暮矣!吾不欲求知于风尘漠野之间也。”(<冬心画马题记>)晚年,他看破红尘,万念俱灰,画的马又发生了变化,现实的马被梦中的马所取代。 而且,他开始画佛。他的画风与人生经历始终紧密地结合在一起,从以上的画家经历可以看出,艺术家的阅历,人生经验对艺术风格的形成与发展有着直接推动的作用。

　　当然,艺术风格的形成还和艺术体裁,艺术材料等有着密切的关系。艺术风格的形成不仅在于艺术作品所表达的内涵,也在于艺术作品的表达方式。同样的题材,不同的艺术家创造的是不同的艺术形象,这常常和表达方式的选择联系在一起。以建筑为例,古代建筑材料主要是石料和木料,而现代建筑材料多用钢筋水泥,由于艺术材料的不同而生成了两种不同的艺术风格。

　　如巴黎的埃菲尔铁塔和雅典的帕提农神庙,抛开二者功用上的不同,首先是建筑风格的明显差异:埃非尔铁塔是现代科学技术的产物,它摒弃了传统建筑柔软的诗意装饰,突出工业文明的优越感,无情地宣告一个人类新时代的到来。它的美正在于它的现代性一一它已经取代巴黎圣母院成为现代巴黎的象征。

　　帕提农神庙是典型的古希腊围柱式建筑,全部用石料建成。它的柱子是陶立安式风格,粗犷有力,富有男性的刚劲,坚硬的材质与简练的构架使得帕提农神庙显得高大,神圣,崇高。这两座建筑物艺术风格的差异,很大程度来源于艺术材料的不同。

　　总而言之,艺术风格的形成既和艺术家的气质,性格,修养,人生经验,艺术追求有关,又是艺术题材,艺术体裁,艺术语言,艺术材料,艺术方法等元素构成的统一整体呈现出来的艺术特色。

　　2)艺术风格的特性

　　① 继承与独创

　　艺术风格是有历史继承性的,成功的艺术家总是在吸收前人的艺术经验的基础上,结合自己的个性和生活体验,创造出自己的艺术风格。

　　以杜甫为例,他是现实主义诗歌的代表人物之一在我国的诗歌史上,现实主义和浪漫主义两种风格源远流长,从两千多年前的<诗经>与<离骚>开始一直延续下来。杜甫从我国的现实主义艺术传统中接受了众多作家的影响。他在<戏为六绝句>中写道:“别裁伪体亲风雅,转益多师是汝师,”他对汉乐府诗的“感于哀乐,缘事而发”极为推崇,对建安文学“千古立忠义,感遇有遗篇”的陈子昂都给予了热情赞扬,在继承基础上,他从生活所“遇”出发,创立了“记事名篇”的新乐府诗,形成了自己独特的艺术风格。

　　当然,一位优秀的艺术家绝不简单地模仿他人,而是从传统中汲取创新的元素,加以提炼,创造出独具特色的艺术品:艺术风格的独特性同艺术家的创作个性联系在一起。 清代画家石涛鄙薄模仿,十分重视艺术风格的独创性。

　　他说:“夫画,天下变通之大法也,山川形势之精英也,古今造物之陶冶也,阴阳气度之流行也,借笔墨以写天地万物而陶泳乎我也。今人不用乎此,动则曰:某家皴点,可以立脚;非似某家山水,不能传久。某家清澹,可以立品;非似某家工巧,只是娱人。是我为某家役,非某家为我所用也。纵逼似某家亦食某家残羹耳,于我何哉! 我之为我,自有我在。古之须眉不能生我之面目,古之肺腑不能入我之腹肠;我自发我之肺腑,揭我之须眉,纵古时触著某家,是某家就我也,非我故为某家也。天然授之也,我于古何师而不化之有?"<苦瓜和尚画语录>